ADLI RIZKALLAH

2007-06-16T13:43:00.001-07:00

A jamais l'art est commencement
L'artiste, jusqu'à sa mort physique,
Est sur le chemin du commencement
Aboutir est illusion. Si l'artiste y croit, ce sera sa fin
L'artiste est hors la loi et créateur de loi,
Anarchiste et exigent en même temps.
Comment ? Tel est le secret de la beauté dans l'art.

Adli Rizkallah

Galerie 11

2007-06-05T17:43:00.000-07:00

TEXTES

2007-06-05T16:30:00.000-07:00

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH :

Le commencement

Premiers jours à Paris ou le début de l’histoire

Avec Gordon Frazer, Claude Lafaye, Fernand Léger et Cézanne

Avec Juilius Bissier, Claude Beranrd et Picasso. Le jour de la naissance de Tamr.

Ce qui ne me concerne pas

EXTRAITS

PORTRAIT, par Khaïri Chalabi

RETOUR AUX SOURCES, par Claude Lafaye

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH -Ce qui ne me concerne pas

2007-06-05T16:22:00.000-07:00

Un être
Je ne le connais pas. Foetus en gestation
Il grandit, mûrit
Chante, est joyeux, triste, jubile
Se brise, revient
Un être
Un ensemble de tableaux, des créatures qui vivent avec moi et par qui je vis

Plusieurs expositions m'ont posé de réels problèmes : en voici deux exemples.
Mon amie Hélène Séquel, qui travaiIIait au Centre Georges Pompidou, est maintenant conservatrice du musée Picasso à Paris. Elle m'adresse une invitation au vernissage d'un artiste dont j'ai oublié le nom aujourd’hui - ce qui n'est pas sans rapport avec l'histoire : l'oubli est délibéré.
La galerie est emplie de peintures murales très grandes. En Egypte, dans les années cinquante et soixante, on collait les affiches publicitaires sur des panneaux de bois. Quand des dizaines d'affiches s'étaient accumulées sur un panneau, le colleur les lacérait à la main, à travers les espaces vides entre les planches, et le résultat produit avait souvent attiré mon attention. C'est exactement le thème de cette exposition : des toiles lacérées qui inspirent au spectateur une sorte de peur, qu'amplifie leur grande taille et leur accumulation. Devant ce spectacle, je suis pris de malaise. Mot bien faible pour dire l'angoisse qui m'envahit alors. Je sors des salles d'exposition et ne trouve pas le courage ni la force physique de m'en aller. Les escaliers de l'endroit sont en marbre, énormes. Tout à coup, Hélène Séquel vient vers moi, souriante. Tableau vivant, jeune, grenade et dorte, le teint rayonnant, elle me tend la main. J’ouvre les bras et la prends contre moi, dans une étreinte tout à fait inaccoutumée. Il me semble qu'elle m'a senti avec son corps, mais que sa raison est surprise, étonnée par ce qui se passe. Nous nous connaissons depuis des années, et notre relation n'a jamais été assez intime pour m’autoriser ce soudain épanchement. Elle me demande si je souhaite revoir l'exposition ; je refuse avec une grande nervosité. Elle m'invite à prendre un café à côté ; nous passons un moment à discuter de choses sans rapport avec ce qui s'est passé, puis nous nous séparons.
Ce qui s'est produit m'a stupéfait. Et comme j'ai le désir maladif de connaître l'âme humaine, j'essaie de comprendre le pourquoi de cette chaleur soudaine en recontrant cette femme, pour laquelle je n'ai jamais eu affinités.
Ce peintre a provoqué en moi une peur réelle, et je me suis réfugié dans les bras de la première femme que j'avais rencontrée, à la recherche d'une présence rassurante, qui me délivre de mon tremblement et de ma peur. Voilà ce qui s'est passé. A ce moment-là, j’ai compris le but de l'artiste : il veut nous effrayer, nous faire réfléchir, en brandissant une hache contre cette réalisation-puissance-force humaine, cette civilisation qui tue l'individu et le transforme en machine à produire. L'artiste a sacrifié le tableau pour sonner l'alarme, détruire le temple.

Second exemple : une exposition rue de Seine, en face du café La palette, dans une petite galerie, comme il y en a beaucoup à Paris. Une salle, six mètres sur dix. A l'entrée, un petit panneau vous invite à presser un bouton placé en-dessous. Je m'exécute : un ventilateur se met à tourner, soulevant une quantité considérable de plumes d'oie jetées négligemment par terre. C'est tout ce en quoi consiste l’exposition. Je me sens d'abord agacé, puis dégoûté. De l'autre côté, une flèche m'indique la sortie ; je dois appuyer sur un autre bouton pour que le ventilateur s'arrête et que les plumes d'oie retombent. Je sors par l'autre porte, sans savoir que faire de mon malaise, de mon insatisfaction. J'entre à La Palette et bois mon café en recherchant le calme qui me permettra de retrouver ma clarté d'esprit. Moi qui cherche dans les expositions l'émotion qu'inspire le travail artistique tel que je le connais, tel que je le rêve... Pourquoi nous font-ils cela ? Pourquoi se font-ils cela à eux-mêmes ? L'artiste a tout sacrifié : sa signature, ses spectateurs,l'histoire, et son travail même. Pourquoi ?
La contestation, encore ? Le véritable artiste européen détruit. C'est une tendance dans l'art. Mais qu'ai-je à voir avec cela, moi, le fils d'un monde qui a encore besoin d'écoles pour ses enfants, d'hôpitaux pour ses malades, d'écrivains pour écrire, de tableaux nouveaux.
Un monde qui a encore besoin de tableaux nouveaux. Qui a encore besoin d'artistes. Qui a encore besoin de Adly Rizkallah. Je ne suis pas concerné de près ou de loin par ce que je vois dans ce genre d'expositions. Je ne juge, ni ne condamne. Je comprends le propos, et je respecte la position de cet artiste et de tous les artistes destructeurs de l'Occident. Mon chemin, c'est désormais le retour.

***

Le départ

Je suis venu à toi avec cent francs en poche, et la soif d'apprendre, de prendre un nouveau départ. J'ai dessiné pour des revues enfantines dès le premier mois, j'ai publié des cartes, j'ai contribué à résoudre le problème alimentaire la première année.
J'ai créé chez toi mon premier tableau, celui à la suite duquel les autres ont jailli. J'ai exposé, rencontré quelques succès qui m'ont donné accès aux galeries, m'ont inséré dans le cadre du mouvement artistique occidental. J'ai enseigné l'art à l'université, alors que je croyais être venu pour l'apprendre. L'histoire de l'art s'est fixée en moi, avec le ou les maillons manquants de l'art occidental, ancien et moderne.
Je t'ai aimé. Paris. Mais c'est en Egypte que le coeur vibre. Que le départ soit, que le .retour soit : ma décision est prise.
Au Caire, mon oeuvre. c'est la subsistance. Sur la table occidentale surchargée de mets, c'est le lamoun (citron) exotique qui ajoute sa saveur particulière.

Dernière anecdote

Je tiens par la main ma fille Tamr, alors âgée de quatre ans, tandis que nous atterrissons au Caire à l'aube. L'avion de Paris faisait escale à Rome à l'époque. Nous prenons une limousine. Arrivés place Kasr el Tahira, la voix du muezzin nous parvient : l'appel à la prière de l'aube, beau, calme, fervent. Tamr s'exclame en français - elle ne connaissait pas encore l'arabe :
-Papa, qui c'est ce fou qui chante la nuit ?
Je lui réponds en arabe :
-J'ai eu raison de revenir avec toi.
Le chauffeur me demande ce qui se passait entre ma fille et moi. Il rit.
Aujourd'hui, quand je raconte l'histoire à Tamr, elle rit d'elle-même. Elle a appris depuis ce qu'est l'appel de l'aube. Pour moi, j'ai vu dans ce muezzin une bonne augure pour notre retour, une rencontre céleste.

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Avec Juilius Bissier, Claude Bernard et Picasso. Le jour de la naissance de Tamr

2007-06-05T16:21:00.000-07:00

La tentation est éternelle
La tentation
dans l'océan de l'esthétique
dans l'océan de l'orgueil de l'artiste
dans l'océan du retour vers le rivage de l'homme la sécurité.

Julius Bissier, Claude Bernard et moi

La galerie de Claude Bernard, dans le Quartier Latin, est une des plus importantes en France. Lors de ma tournée hebdomadaire des expositions, je ne manque jamais d'y passer, connaissant la qualité de ses expositions. En entrant dans la salle ce jour-là, je tombe sur l’exposition d'un artiste qui m'est inconnu, et dès le premier regard, je suis saisi. Il se passe en moi quelque chose d'étrange. Des sentiments confus, qui me rappellent le jour où j'ai vu EI-Bagaouat dans les oasis : j'avais alors eu la sensation d'avoir déjà vécu cette ville, ces ruines. Cette ville où mes ancêtres, fuyant les persécutions de l'empereur romain, s'étaient réfugiés. Je ne connais pas la réponse à la question. Aujourd'hui, en visitant cette exposition, j'ai la même sensation de déjà vécu. Pourquoi ?
C'est comme si j'avais moi-même un jour peint cette oeuvre. Il y a quelque chose en commun entre nous, dans l'esprit et dans le coup de pinceau. Par une étrange coïncidence, Moukhtar EI-Attar a écrit un jour à propos de mes tableaux: "C'était le rêve artistique de Julius Bissier, Adly Rizkallah l'a réalisé. " Je ne suis pas responsable des paroles de Moukhtar El-Attar, mais sa remarque a attiré mon attention.
Seul dans la salle, passe beaucoup de temps à étudier ces tableaux. J’achète quelques cartes, un petit livret sur l’artiste, et je passe encore plus d’une heure à regarder l’exposition - une trentaine tableaux de petite taille. Puis j'achète le catalogue de l'exposition, sans regarder le prix: 250 francs, dans les années soixante-dix, ce n’ était pas rien. Après avoir encore passé du temps avec les oeuvres de l’artiste, je m'apprête à quitter la salle, lorsqu'un homme portant des lunettes aux montures épaisses s'adresse à moi.
-Quelle est votre profession? me demande-t-il .
-Peintre.
-Vous êtes Arabe?
Devant mon étonnement, il montre le journal El Ahram, que j’achète chaque fois que je passe par le Quartier Latin.
-Oui. Egyptien.
-J'aimerais voir vos oeuvres.
Nous convenons d'un rendez-vous, un mardi, je m'en souviens encore. Je lui demande son nom.
-Claude Bernard.
Je m'excuse en riant; je suis un des visiteurs assidus de sa galerie, mais je ne le connaissais pas.
Le jour convenu, j'emporte mes oeuvres dans une grande pochette à dessin. Il y jette un coup d'reli, un seul, sans les sortir de la pochette. -C'est ce que je m'attendais à voir. Je vous laisse avec le directeur de la galerie car je dois partir pour Genève.
Son directeur observe mes tableaux attentivement, un par un, puis choisit la série dans laquelle j'avais vu une certaine communauté d’esprit avec Julius Bissier.
-Claude Bernard va publier un livre d'art sur vous en collaboration avec Edmond Jabès.
-Qui est-ce ?
-Comment, vous ne connaissez pas Edmond Jabès ? C'est un poète français, il est d'Alexandrie, de chez vous. TI a quitté l'Egypte dans les années cinquante, et depuis, il vit en France.
Tout à coup, j'ai un doute. Cette proposition, de la part d'une galerie où l'on ne se fait pas exposer facilement... Pourquoi cherche-t-on, à ce moment-là précisément, un artiste égyptien pour l'associer à personnalité juive ? Je n'aime pas le racisme. Mais je n'ai pas oublié ma surprise le jour où j'ai vu, dans le Nouvel Observateur, deux articles en double page, signés l’un par un écrivain israélien et l’autre par Mahmoud Hussein, pseudonyme d’Adel Rifaat et Bahgat El Nadi, deux égyptiens vivant à Paris. Tout ceci à des relents politiques. Je refuse tout en bloc, la proposition, et l'invitation à avec Edmond Jabès. Mon interlocuteur n'en revient pas.
-Vous êtes fou? Il y a dans cette ville au moins trente artistes qui attendent une offre comme celle-là. Vous êtes fou ? répète-t-il avec emphase.
Je le sais, mais je veux rester un artiste égyptien.
-Mon oeuvre n'est peut-être guère importante à vos yeux pour le moment, ai-je dit, mais elle deviendra plus que vous ne le pensez si la vie me laisse le temps de produire un art qui lui survivra, et que je laisserai à mon pays bien-aimé, et à vous tous si vous le voulez.
Je suis sorti au grand air sans regret. J'ai bu un café dans le café à côté, en observant les gens simples qui jouaient au flipper en buvant une bière avec les étudiants de la faculté des Beaux-Arts située en face. Je me suis senti envahi par la paix des gens simples, je suis l'un d'eux.

Le jour de la naissance de Tamr

Ma femme est toujours belle, mais enceinte, c'est la plus belle des femmes. Je l'envie, avec amour, pour ce beau monde coloré qu’elle porte en elle. Je ne m’imaginais pas le foetus comme on le voit dans les livres de vulgarisation sur l'enfantement qu'elle lit. Je voyais autre chose, et je l'enviais.
A Strasbourg, Roland Recht, professeur d'histoire de l'art, regarde avec moi dernières oeuvres. Sa petite fille lui demande :
-Qu'est-ce qu'il peint, l'oncle Adly ? "
-Des foetus dans des utérus, répond-il. Sa femme attend un enfant, et ses tableaux aussi.
Je regarde mes tableaux: il a raison !
L'accouchement est arrivé un peu prématurément. Nous avions la chance d'avoir avec nous notre amie soeur Roselyne de Villaines (initiatrice avec Simone Tager du projet d’Akhim en Haute Egypte) fille de bonne famille qui avait abandonné la considération sociale et l'argent pour chercher le salut; elle nous a accompagnés à l’hôpital Saint Vincent de Paul. Ma femme voulait qu’elle l’accompagne dans la salle d’accouchement, mais c’est interdit : seul le mari y est autorisé. Comme tout oriental à qui sa femme interdit d'assister à de telles situations, je refuse, mais en les voyant s'éloigner avec mon épouse, je cours derrière eux.
On me passe une blouse stérile, et j'assiste à l'accouchement.
La nature telle que je la connais. Sang, excréments, sueur, fécondité, violet, vert, bleu, rouge. Toutes les couleurs accouchent, et la sueur, la fécondité, le sang, les odeurs...
La sage-femme nous laisse seuls.
-J'ai assisté à beaucoup d'accouchements, me dit-elle après. Mais c'est la première fois que je vois un homme accoucher.
Elle s'est sentie gênée et elle nous a laissés seuls.
Ils sont venus au dernier moment, pour que naisse notre enfant Tamr. Je rêvais d'une fille.
-Qu'est-ce que c'est ? me demande ma femme.
-Une fille.
-Tu es heureux?
-Oui.
Des dizaines de fois, elle répète sa question, et je répète ma réponse, jusqu'à ce que la sage-femme me donne une bourrade sur épaule :
-Pas besoin de connaître l'arabe pour voir qu'elle est incapable de vous dire autre chose ! Allez faire un tour et revenez dans trois heures. Elle se sera remise de l'anesthésie et vous pourrez tenir une conversadon sensée.
Nous sortons, Roselyne, qui attendait, et moi. Morts de faim. Une algérienne plantureuse vend des saucisses-frites et du vin en face de la station de métro. Nous mangeons avec un appétit sans précédent. Nous échangeons les regards, nous redemandons la même chose, et nous disons en même temps :
-Un délice de paradis !
Quelques mois plus tard, j'ai dit à Roselyne que j'étais retourné chez l'Algérienne, mais que je n'avais pas retrouvé cette même saveur. Elle a ri : elle aussi y était retournée et avait eu la même impression. Des quelques heures qu'a duré la naissance de Tamr, je suis sorti un autre homme. Depuis ce jour, mes tableaux portent le sang de la naissance. Sa fécondité, ses couleurs, la joie de la nature. Quand on me dit : tu peints le sexe, je réponds : ils ont des yeux mais ils ne voient pas.
Rien n'est plus beau que la naissance, hymne à la nature.

Avec Picasso

De longues années, je n'ai eu de cesse de voir tout ce je pouvais voir des oeuvres du légendaire Picasso. La première rencontre a eu lieu au musée d'art moderne qui se trouvait alors avenue d'Iéna, une salle ronde où se mêlaient les oeuvres de Picasso et de Braque. Des tableaux de la période cubiste, lorsque les deux artistes, à l'époque très proches, travaillaient main dans la main. Chaque fois qu'un tableau m'attirait, je m'approchais et je voyais la signature de Braque. Les Parisiens entendaient ainsi montrer que Braque était un poète, le meilleur et le plus sincère des cubistes.
Dans le musée, d'autres tableaux de Picasso, seul cette fois, d'autres périodes. D'autres expositions, que je verrai et reverrai plus d'une fois. Je vois plusieurs fois toutes les oeuvres exposées. Je me donne beaucoup de peine pour tenter de pénétrer dans son monde. Beaucoup d'efforts, pour un piètre résultat.
Pour autant, je n'ose exprimer trop haut et fort un avis négatif. Ce serait tourner la difficulté, comme le font d'aucuns. Par la suite, je lirai beaucoup sur lui, sans parvenir à changer d'opinion.

Picasso est mort. Une exposition est organisée pour les tableaux offerts à l'Etat français par les héritiers du peintre, qui s'acquittent ainsi des droits de succession. Et quelle succession ! Grâce à ses œuvres, la famille Picasso passe pour être l'une des plus riches au monde. Je me promène au milieu des tableaux, comme à mon habitude, plein de bonne volonté. Rien n'y fait: malgré mon humble respect face aux tableaux, je ressens toujours la même chose.
J'ai toujours eu une opinion négative des oeuvres où il cherche à assimiler l'art nègre. Le masque africain le plus banal est plus intéressant, a plus de valeur que les tableaux de Picasso de cette période, si précieuse soit leur signature.
Puis... Je passe dans une dernière salle. Je vibre, tressaille, le souffle coupé. Je cherche un appui, me laisse tomber sur un canapé. Je regarde : un art qui va droit au cœur. Les dernières années de la vie du peintre. La main a tremblé. Les couleurs sont crues. La peur frappe à ta porte. Est-ce le pressentiment de la mort ?
Picasso a peur. L’ogre tremble, pour la première fois.
Même toi Picasso, la puissance, le talent, la réalisation, réalisation-puissance, talent-puissance, puissance-réalisation-talent, réalisation-talent-puissance.
Dieu de la réalisation européenne. Tu es Wagner. Tu es Nietzsche. Tu es l’Occident. Je t'ai reconnu, ogre ! Je t'ai reconnu.
Que me manquait-il pour te voir comme il faut? Rêveur qui a besoin de détresse pour s'enivrer d'art. La naissance, naissance de Tamr, ne suffisait-elle pas pour détruire en moi cette fragilité, ce romantisme congénital ?
J’ai changé pour voir tes tableaux avec un oeil nouveau. Je te suis revenu souvent. Je savais que je saurais. Et j'ai su. Le tableau ne vit pas seulement par l'amour. Le tableau ne vit pas seulement par l'esprit. Pas seulement... Nous devons être humbles pour savoir. Alors, nous saurons et ensuite, nous saurons voir. Jouirons de l'art et de la vie.
Picasso a assimilé tout le patrimoine européen, de la Grèce antique jusqu’à ses contemporains. Il a tout assimilé pour créer des tableaux picassiens. Il a même utilisé quelquefois leur vocabulaire. Comparez-le à Matisse : la rampe du balcon en fer forgé, les fines fioritures des fleurs, la fenêtre ouverte sur un ciel bleu ; Picasso a repris Matisse, mais pour produire un Picasso.
Un cas exceptionnel. Imiter quelqu'un est une faute, mais chez Picasso c'est une qualité.
Son échec, ce fut l'art nègre. TI a évité l'art égyptien ancien. Dans mes souffrances avec Picasso, j'ai appris à voir... Puissiez-vous comprendre !

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Avec Gordon Frazer, Claude Lafaye, Fernand Léger et Cézanne

2007-06-05T16:19:00.000-07:00

Puis,
Je vois une beauté fauve. Par mon coeur je la vois...
Par mon corps je la vois, la dévoile
Vois ce que le faible coeur humain ne peut voir
Si j'avance le pied, je ne reviendrai plus jamais

Paris est un musée

Ma présence à Paris est un don du ciel, grâce auquel je pourrai m'imprégner de toute l'histoire de l'art. Paris est un musée de l'art, de la Renaissance à nos jours.
A tout seigneur tout honneur : le périple initiatique débutera par le Louvre. Je néglige l'aile égyptienne, bien agencée, considérant que les trésors que nous avons en Egypte me seront toujours accessibles, et suffiront à apaiser ma soif d'art égyptien.

Les grands maîtres

Léonard de Vinci et la Joconde. Des dizaines de touristes autour en permanence empêchent toute approche. Juste après, deux tableaux du même artiste, et sur l'un d'eux, le génie du dessin, un art qui dépasse de loin le banal intérêt touristique pour la Joconde.
David, dont l'emprise a contrarié durant des décennies la liberté des artistes de son pays. Poses figées, idéalisées, centaines d'heures perdues vainement sur la toile dans l'ornementation des vêtements de l'empereur... Un artiste que je n'ai jamais aimé.
Goya, un des plus grands. Plus tard, je verrai une exposition de centaines d’eaux-fortes organisés par la mairie de Paris : plat de résistance d’un grand artiste qui fut aussi un grand douloureux.
Rambrandt, mon premier amour. Un douzaine de tableaux, certains très petits.Je m'arrête devant le «Bœuf écorché». Pour moi, la première oeuvre expressionniste au monde, des siècles avant que les expressionnistes n'en fassent un de leurs thèmes préférés. Un des nombreux autoportraits de l'artiste : comparée aux toiles lisses, soigneusement vernies de l'époque, l'épaisse pâte colorée est stupéfiante d'audace.
Pourquoi es-tu si grand, au point de faire de l'ombre à Franz Hals lui-même, qui a le malheur d'être ton voisin au Louvre ? Quel est le secret de ta peinture ? Mes questions restent sans réponse... Tu es le seul pour qui je reviendrai souvent au Louvre, détournant à chaque fois mes yeux des autres, comme si je rendais visite à une maîtresse jalouse, qui se refusera à moi si elle me surprend en train de commettre le crime de regarder une autre. Je ne te visiterai plus Paris, sans un pèlerinage auprès de ma maîtresse, l'oeuvre de Rembrandt.
Ingres, l'élégance pure du dessinateur. Je revois encore les dos de tes nus, comme s'ils étaient sous mes yeux. Indicible jouissance... Rubens : femmes aux chairs abondantes, sur de grandes toiles encombrées de ) de personnages. AIIez savoir pourquoi je ne suis jamais tombé amoureux des oeuvres de ce peintre...
Contre les Académiques et leur vaine prétention à une objectivité fallacieuse, je ne cesserai de revendiquer le droit de préférer un art à un autre, un artiste à l'autre.

L’Orangeraie

Les grands impressionnistes et leurs oeuvres sont comme un jardin à la végétation luxuriante, où les couleurs bruissent, où les moments lumineux, dansent sur la toile. Un moment d'osmose avec la nature sans précédent dans l'histoire de l'art.
Le musée est situé au milieu des jardins des Tuileries: choix délibéré, clin d'oeil typiquement français ! Mais ces oeuvres sont maintenant au nouveau musée d'Orsay.
Il y a bien une école impressionniste, et pourtant, chaque impressionniste a son univers à lui, qui le distingue des autres.
Association d’idées : chaque pays arabe a son ou ses « impressionnistes », en Egypte, Youssef Kamel, El-Banany, ou X et Y…(ils sont toujours vivants, aussi tairai-je leurs noms). En fait, on leur accole cette étiquette parce qu’ils ont emprunté à certains tableaux parce ce qu’il ont emprunté à certains tableaux de Monet la technique des touches de couleur rapprochées, qu'ils appliquent consciencieusement, sans imagination et avec une maîtrise bien moindre. Ils peignent la campagne de notre pays, mais leurs oeuvres sont plus scolaires qu'impressionnistes.
Telles sont mes pensées tandis que je découvre l'impressionnisme à l'Orangeraie. Je secoue la tête pour les chasser de mon esprit, et savourer Pissaro, Sisley, Signac, Manet, Monet, Renoir : toute la famille est réunie côte à côte, conversant, jouant avec la couleur et la lumière dans une grande volupté, dans un des moments les plus riches, en quantité et en qualité, de l'histoire de l'art.
Renoir m'étonne avec ses femmes bien en chair qui célèbrent la beauté féminine et la splendeur de la peau : un hymne à la lumière corporelle et à la volupté de la chair.
Pourquoi suis-je séduit par ton art et amoureux de tes femmes, et pas de celles de Ruben ?

L'exposition Van Gogh

Cet artiste nous distille un chant sanglant, avec ferveur et passion jusqu'à la folie et la mort. Une grande exposition.
-Van Gogh aime Rembrandt, dis-je à mon ami Labbad, qui m'accompagne.
-Prouve-le moi, me répond-il en montrant les toiles.
Je ne peux lui répondre avec des mots, mais je sens que j'ai raison. Plus tard, en lisant ensemble le "petit journal" de l'exposition, nous tombons sur un article qui évoque l'admiration particulière de Van Gogh pour Rembrandt.
Non possession. Désir total. Ame impétueuse et déchaînée. Innocence farouchement hostile à toute impureté. Passion du beau, haine du laid. Voilà un peu ce qu'était Van Gogh, mais il est tellement plus que tous les mots par lesquels on veut le cerner. Indigence, grossièreté, avidité...bêtise et futilité entourent l'artiste de toutes parts. On le dit fou, au mieux stupide, alors qu'il est le plus sensé de tous. La trivialité est leur quotidien, lui chante la beauté. Ils se sont moqués de lui, ils ont maudit ce prophète, qui a laissé un message. A qui veut bien l’entendre.
Heureux Van Gogh ! Tes tableaux sont toujours vivants, le les revois avec un bonheur toujours égal.
Un dernier mot. Je sais qu’on t’assassine une deuxième fois en transformant trivialement tes tableaux en prix astronomiques, en centaines de faux millions de leurs billets colorés. Je t'aime. Et je hais le dieu mensonger de l'argent.

Gordon Frazer

J'ai fait la connaissance du peintre Saint-Marc à Mondoubleau. II a aimé les collages dont je vous ai parlé plus haut, et m'a conseillé de montrer mes oeuvres à Gordon Frazer, l'éditeur anglais qui le publie et le fait vivre. A Paris, j'ai vu sa représentante Jacqueline Quesnel, et par son intermédiaire, j'ai rencontré Frazer, qui a choisi parmi mes oeuvres six dessins en couleur. Lorsque nous avons reçu le chèque libellé en livres sterling, ma femme et moi avons dansé de joie à la station de métro où nous nous trouvions.
C'était notre première vraie affaire en Europe : la première qui dépasse le stade de l'artisanat. Nous avions percé sur le marché occidental !
Quelques mois et quelques rencontres plus tard, Gordon Frazer me dit :
-Pourquoi ne peindriez-vous pas des oeuvres plus commerciales ? Je diffuse dans toute l'Europe, plus l'Australie et l'Amérique du Nord. Votre travail est trop artistique, et je ne peux tirer vos cartes qu’à vingt mille exemplaires. Faites quelque chose de plus commercial, je vous diffuserai davantage, et vous vous y retrouverez.
-Je ne veux pas, dis-je simplement. Je suis occupé par mes aquarelles et je ne veux pas les pervertir en flattant le goût commercial.
Il n’en revient pas : quelqu'un qui ne veut pas gagner plus d’argent ! Sa curiosité piquée, il propose :
-Montrez-moi donc ce soir ces oeuvres qui vous empêchent d’essayer de gagner de l'argent.
Ce soir-là, il a vu deux aquarelles, puis s'est levé en disant:
-J’en ai assez vu. Je vous invite à Bedford, votre femme et vous. J’ai là-bas mes propriétés et mes collections, et un endroit où recevoir les artistes. J’aime votre travail, et je veux le contempler à mon aise.
Il nous a envoyé les billets pour le voyage. Je l’ai fait avec mon amie
Béatrice Boctor, ma femme étant retenue par son travail à Paris, où elle partageait avec moi, et je lui en sais gré, les servitudes et les responsabilités de l'art.
Pendant le dîner, Gordon Frazer a raconté son histoire ; c'était semble-t-il un des buts de son invitation. Au début du siècle, il avait été lié au grand poète T.S. Eliot, qui était aussi critique et propriétaire d'une galerie d'art. Gordon Frazer était alors un jeune homme. Tout d'un coup, il fit une pause, puis tressaillit et dit d'une voix émue :
-A l'époque, je possédais ce que je vois là dans vos yeux, ami égyptien : la passion de l'art. Aujourd'hui, j'ai plus de millions que vous n'en pouvez imaginer, mais rien de tout cela ne me permettra de retrouver ce que je vois en vous, Rizkallah... Ce soir, je vais acheter vos tableaux, vous qui ne possédez que cette flamme que je vois brûler dans vos yeux. Je vous les achèterai pour une bouchée de pain, car je sais que vous avez soif d'être un artiste, et que vous ne le deviendrez qu'en vendant vos tableaux...
Il a choisi dix-huit aquarelles et a fixé son prix : trente-cinq livre sterling pièce.
-Vos tableaux vont disparaître dans mes réserves, et dans vingt ans., vous verrez le prix qu'ils vaudront ! a-t-il dit en riant. Allez, enfermez-vous chez vous et peignez, peignez. Et dorénavant, plus de cartes postales ! Vous êtes un artiste !
Puis il m'a montré ses réserves de tableaux. Il avait acheté une série de gravures de Picasso au début du siècle pour cinq livres sterling. Il avait des sculptures de Maillol. Il avait aussi toutes les oeuvre d’un sculpteur anglais, Joda je crois, et était en train de publier un livre sur lui. Curieusement, au moment où j'écris ces lignes, vingt ans juste ont passé depuis cette rencontre. Il y a dix ans, j'ai lu que Frazer était mort dans un accident de voiture. Sa fortune est passée à son fils, que n'ai pas encore. rencontré...

Avec Claude Lafaye

J’ai découvert à Paris qu’il existe quelque chose qu’on appelle le métier d’artiste peintre. Cela consiste à exercer la peinture de manière permanente, et à être traité par les autres en tant qu’artiste : kes gens viennent chez vous pour voir vos tableaux (pas pour regarder la télé !) ; ils leur plaisent ou pas ; si oui et s'ils ont les moyens, ils achètent; si ça ne leur plaît pas ou s'ils n'ont pas les moyens, ils vous remercient, vous demandent ce qu'il y a de nouveau et sont heureux de le voir. Depuis que la barrière qui occultait mon travail a disparu, je me sens en accord avec moi-même ; les tableaux se succèdent, et avec eux le public.
Claude Lafaye, un Français d'une quarantaine d'années à l'époque, est une personnalité très particulière, comme on en rencontre parfois dans la société occidentale. C'est un passionné d'art, de peinture et de sculpture en particulier. Il travaille dans le cinéma, dans la partie administrative. Il fait aussi de la critique ; lorsqu'il apprécie une oeuvre, il écrit sur elle et la défend, sans autre mobile que l'amour de l'art. Il voulait venir nous voir depuis qu'il a entendu ma femme dire que son époux est un artiste.
-Quelle maturité, dit-il après avoir vu mes oeuvres. Vous n'êtes pas le débutant que je m'attendais à rencontrer. Tombé amoureux de mon travail, il veut faire partager son plaisir : il ne se passe pas un week-end sans qu'il ne nous amène quelques amis ou amies, leur montrant mon travail comme s'il en était l'auteur, s'enquérant des nouveautés avec un intérêt amical.
-J'ai de bonnes nouvelles, m'annonce-t-il un jour. Puis, prenant une pose théâtrale comme il les aime :
-Nous allons exposer tes ouvres, te lancer dans les milieux artistiques. Marianne Clouzot va te présenter à des amis dans une exposition privée.
Le nom de Clouzot ne m'est pas étranger : c'est celui du réalisateur d'un des célèbres films sur Picasso.
-Est-ce une parente du réalisateur?
-Ils sont cousins.
Cela me rassure quelque peu, mais après le départ de Claude, je commence à hésiter, à me poser des tas de questions... Je me mets au travail, mais je n'arrive pas à me fixer une date pour l'exposition. Malgré les encouragements, malgré Gordon Frazer et les quelques autres qui m'ont acheté, je suis plein d'appréhension.
Le coeur tergiverse, mais pas la raison. Les choses allaient prendre une tournure ridicule ; comme s'il devinait mes affres, Claude prend les devants. Un beau jour, le téléphone sonne.
-Tel jour, à telle heure, c'est le vernissage. Les invitations sont sous presse.
Je le remercie poliment. Je travaille d'arrache-pied, rassemble les tableaux, les encadre... Enfin, tout est prêt.
La veille de l'exposition, mon amie Nicole vient nous voir. Dans des sanglots amers, j'accuse ma femme et mon amie d'avoir tout manigancé. J'ai la sensation physique d'avoir été violé. Elles tentent vainement de me calmer.
Le lendemain. le vernissage. Le public heureux, les ventes...
J’assiste à tout cela, mi-heureux et grisé, mi-absent...
Pendant le repas, les amis se sont réunis, et le plus en verve est Claude Lafaye. Il est le géniteur, et moi comme la jeune mariée qui aurait accouché d'un art.
Claude applaudit et improvise un petit discours à sa façon théâtraIe : - Cette nuit, un peintre est né à Paris. Tu peux vivre de l'art dans la capitale, mon ami.
Puis avec orgueil :
-Ce soir, AdIy a vendu neuf tableaux. Je les ai comptés avant de quitter la salle. Et s'il a vendu pendant le vernissage, c'est qu'il vendra les jours suivants. Et s'il vend pendant l'exposition, il vendra toute l’année.
Tous les regards se sont maintenant tournés vers lui.
-Chaque tableau acheté est vu par vingt personnes. Sur ces vingt, il y en a au moins une qui va l'aimer, demander combien il vaut. A partir de ce soir, ton travail a un prix.
Il conclut sur la façon d'augmenter le prix de la peinture chaque année :
-Celui qui achète un de tes tableaux ne doit pas perdre d'argent. –
-Que veux-tu dire?
-S'il avait mis son argent à la banque, il lui aurait rapporté tant d’intérêts. Le prix de la peinture doit augmenter chaque année de façon à dépasser le rapport de la banque. Logique non ?
J’ai bien écouté et j’ai retenu la leçon.

Avec Fernand Léger

La première rétrospective organisée depuis mon installation à Paris est consacrée à Fernand Léger, au Grand Palais.
Je suis sidéré. Je connaissais l’œuvre de Léger que par les livres, mais livres sont trompeurs - c'est la leçon que je retiendrai de cette exposition. Je savais de Léger qu'il était de ceux qui ont introduit les formes géométriques dans la peinture après la révolution industrieIIe des XIXème et XXème siècles. Certes, mais ce que je vois devant moi maintenant est autrement plus grandiose. Organisation, point de vue, succession savamment étudiée ; chaque salle a un but, chaque ensemble conduit au suivant. Le souffle coupé, je vais d'un tableau à l’autre, d'une salle à l'autre, avant de m'arrêter sur un groupe d’œuvres au crayon, réunies dans un petit coin intime, comme construit exprès pour les accueillir. Un moment de repos pour trouver un siège qui semble m'attendre - ils savent que le visiteur va s'arrêter là ou bien ils le veulent. Ils honorent ces petites oeuvres à leur manière ; cet ensemble est sur un pied d'égalité avec les oeuvres de Paul Klee, qui se distinguent par leur finesse et leur souffle poétique. Je découvre un nouveau Léger, et j'apprends qu'exposer ne signifie pas accrocher des tableaux les uns à côté des autres. J'aime, j’apprends, et je regrette.

Avec Cézanne

Au Grand Palais encore : "Les dix dernières années de Césanne ». Chaque année, les Français montent une grande exposition qu'ils préparent des années durant : une étude presque exhaustive, qu'accompagne un "catalogue", qui est en fait un véritable ouvrage de référence.
Cette exposition m'a pris tout mon temps pendant près de quarante jours. J'allais la visiter au moins deux fois par semaine, communiquant avec ces oeuvres de Cézanne que l'histoire a fait et fera encore longtemps.
Les débuts de Cézanne ne laissaient pas présager en lui un grand artiste mais les dix dernières années de sa vie furent le produit d'un travail acharné, d'un artiste consommé, qui avait passé sa vie errant entre Paris et ailleurs. Son père, en bon bourgeois, avait essayé plusieurs fois de le détourner de la voie artistique, en vain. Cézanne a grand ouvert la porte de l’art moderne. Les coups de pinceau de l’artiste se sont affranchis de la sujétion à l’illustration, et « l’anecdote » a été bannie, et ce fut le fait de Cézanne. Il a peint le paysage naturel et la montagne qu’il voyait de la fenêtre de son atelier, mais pour la première fois dans l'histoire, chacun de ses coups de pinceau sur toile parle pour lui-même, n'est plus esclave de l’illusion.
L'art est une expression "dans" et non "de", la toile ondoie avec les touches qui chantent ensemble. Certes, le paysage est toujours là dans le tableau, mais il a changé de nature : la montagne, l'arbre, le ciel ne sont plus montagne, arbre, ciel, quoiqu'ils soient là, devant l’œil et sur la toile.
Dépouillement complet, sans défaut, sans superflu, mais des touches qui n'existent qu'en elles-mêmes, chaque touche en soi, puis toutes ensemble, dans un dialogue pictural. N'est-ce pas le vrai début de l'affranchissement de l'art de l'illustration, et de tout objectif autre que la peinture en soi ?
Le bonheur du spectateur est le but ; telle est la peinture moderne. Bonheur conquis par l'artiste "libre", liberté totale quand de ses pinceaux il fait l'amour avec la toile, bonheur conquis par le spectateur qui sait regarder le tableau, dans sa globalité et dans ses détails. Le tableau n'est plus une histoire que voudrait raconter l'artiste, sur ordre du palais, de l'église ou du parti, ou de n'importe quelle autorité. La peinture est devenue peinture, le tableau est devenu tableau. L'artiste est libre. L'art, c'est donc la liberté.
Qui peut rétablir dans son droit cet artiste à qui l'on a refusé des années durant d'exposer au Salon de Paris - près de vingt ans, si j’ai bonne mémoire -, excepté l'année où le commissaire de l'exposition était un de ses admirateurs ? N'est-il pas de notre devoir à tous de commémorer celui qui a ouvert toute grande la porte à un art nouveau car il a libéré pour nous le coup de pinceau, et par là même le tableau, l'artiste et le récepteur. L'artiste n'a plus à courtiser un quelconque paternalisme qui voudrait qu'il fasse ce qui le satisfait. Même si tout cela n'arrive pas aussi simplement qu'avec les mots que j'écris. L'histoire est pleine de luttes. Beaucoup d'artistes ont payé de le sang même le prix de leur liberté.
Heureux Cézanne, le premier à nous avoir ouvert la porte !

Un jour, j’ai dit à mon ami le politicien
Peux-tu marcher à côté de moi ?
Pas devant, ni derrière
Car si tu es devant moi, tu es une catastrophe,
Et si je suis devant, c’est moi la catastropphe
Il n’a pas compris.
J’ai continué :
Si tu es devant moi, mon art sera l’esclave de la politique, et il sera perdu
Si tu es derrière moi, l’artiste te perdra pour la politique
A chacun son chemin, même si le but est un.

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CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Premiers jours à Paris ou le début de l'histoire

2007-06-05T16:17:00.000-07:00

Te verrai-je avant le repos du corps dans la mort?
Caresserai-je ton corps ?
Me prendras-tu un jour dans tes bras ?
Me donneras-tu Ia vie /la mort ?
Alors ce sera le repos éternel.

Historiette

Je suis arrivé à Paris avec ce qui me restait des cent francs et trente-trois dollars qu'on était alors autorisé à sortir d'Egypte, invité par mon amie Nicole Ether que j'avais reçue au Caire. Elle ne se trouvait pas à Paris, et j'ai dû attendre le week-end pour la voir. En attendant son retour, j'ai composé cent petits collages en l'espace de trois jours.
Mon amie a invité quelques-uns de ses amis pour qu'ils fassent la connaissance de ce fameux Adly, dont elle leur a rebattu les oreilles à son retour du Caire. Après le dîner, elle me demande ce que j'ai vu et fait à Paris depuis mon arrivée. Je présente mes petits tableaux comme des cartes postales. Elles plaisent beaucoup. Je les divise en dix séries de dix, puis je demande :
-Combien se vendent les cartes postales à Paris ?
-Autour de vingt francs, pour des cartes peintes à la main, me dit-on. Mais elles sont peintes par des amateurs, et sont loin d'avoir cette qualité.
-Et les cartes postales ordinaires?
-De un à cinq francs, suivant la taille et la qualité.
-Je veux vendre ces dessins, mais à une condition, dis-je après un instant de silence. Qu'on les vende à trois francs pièce.
-Vous êtes fou ! se récrient-ils tous en coeur.
-J'insiste ! C'est mon prix, je n'en changerai pas.
Chaque convive regarde la série qui se trouve devant lui en se disant qu'il serait fou de laisser passer pareille occasion. Et en quelques minutes, chacun a sorti le prix des cartes posées devant lui, et je me retrouve avec exactement trois cents francs. Pas si fou !
-Que se passe-t-il ? me demande Nicole, ému. Je te connais... Parle, Adly.
-Maintenant seulement, grâce à cet argent, je sais que je peux rester deux semaines à Paris pour commencer mon chemin. Dans quinze jours, soit je n'aurai pas tout dépensé, soit je m'en irai, tout simplement.
Nicole me saute au cou et me prend dans ses bras.
-Voilà le Adly que je connais et que j'aime !
Elle relève la tête au milieu de ses amis comme pour dire : Ne vous l'avais-je pas dit ?

Ce soir-là, j'ai demandé où vendre ce genre de travaux ; on m'a conseillé le quartier Saint-Sulpice, où se trouvent des boutiques d'artisanat. Les jours suivants, je peints une nouvelle série. Je l'emballe proprement, et je vais à Saint-Sulpice. Là, je choisis la boutique qui me semble la plus artistique, et j'avise une grande femme, entre deux âges, qui doit être la gérante. Je lui présente les cartes. Elle les regarde une à une, attentivement.
-Vous voulez les vendre chez moi?
-Oui.
-Je vais les vendre trente francs pièce, la moitié pour vous et l'autre pour moi.
-Ma seule condition est que vous les vendiez six francs pièce : trois francs pour vous, trois pour moi.
Elle me rit au nez.
-Vos cartes se vendront à trente francs. Pourquoi les vendre moins cher ?
-Laissez-moi fixer le prix.
Elle accepte, étonnée. Je pars en lui laissant mon numéro de téléphone. Le lendemain, elle m'appelle :
-Passez au magasin. J’ai vendu toutes vos cartes.
Je reprends aussitôt le chemin de Saint-Sulpice.
- J'ai vendu une vingtaine de cartes par deux ou trois m'explique-t-elle. Puis un client en a acheté quatre-vingt d'un coup. Il s'est présenté comme un homme d'affaires et m'a dit: "Je vous achèterai toutes les cartes de cet artiste, quelle que soit la quantité, pour les utiliser comme cartes de société."
Durant mon premier mois à Paris, cette boutique m'a vendu mille cinq cents cartes. Grâce à leur produit, j'ai loué une chambre pour commencer ma vie parisienne : une petite vie simple qui semblait compromise pour un homme qui, pour vivre dans une ville aussi dure n'avait en poche que la monnaie de cent francs et de l'enthousiasme à revendre.

Le premier tableau

Il suffit d'un rien pour tout déclencher, comme on dit. Après lesépreuves, la souffrance, les impasses. Une nuit à Paris, 1972 avenur Nicolo, dans le seizième, dans une petite chambre où ma femme se débattait entre les murs mansardés. Heureux de la nouvelle boîte à couleurs que je viens d'acheter - je n'aurais jamais pu m'en acheter une semblable au Caire -, je caresse les couleurs, les mélanges, les fais danser ensemble. Je joue, je m'amuse avec les couleurs, Le cœur battant, le corps tremblant, je pleure d'allégresse et de bonheur, je crie de joie.
Ma femme se réveille et me prend dans ses bras.
-J'ai trouvé l'art !
Enfin, je l'ai trouvé !
Elle m'apaise, sourit et se rendort.
Enfin !
Une envie débordante de jeu, de beauté, de pureté. Fuir toute cette laideur abhorrée ! Je me souviens alors de l'histoire de ma grand-mère, que je vous ai raconté au début de ces carnets. Pourquoi me revient-elle en mémoire le jour où je trouve le premier tableau?

Après le premier tableau

Après le premier tableau, les autres se bouscuelent, comme si une barrière invisible avait soudain disparu. Je travaille chaque jour avec une passion et un bonheur immenses. Comme ensorcelé, pris sous un charme auquel j'avais peine à croire.
L'art m'est-il enfin vraiment venu? Après être arrivé au bord du doute...
Envie de jouer. Harmonie sur la feuille. Le coeur et l'âme en fête, je m'enivre dans le travail, par le travail, comme un enfant longtemps, méchamment, privé de jeu.
Pourquoi me suis-je rappelé ma grand-mère le jour où j'ai trouvé mon premier tableau ? Plus de vingt ans durant, la mémoire a enterré les blessures de l'âme, mais l'histoire n'est pas morte en moi.
Ma grand-mère est-elle la seule à m'avoir privé de mon enfance et de mon innocence ? Ou bien n'est-elle que le symbole de la médiocrité académique infligée à mon innocence à la faculté des Beaux Arts ?
Le symbole de la médiocrité dominant les discours pompeux sur l'exploitation du patrimoine, ou la terne contemporanéité ? Me suis-je vraiment délivré de toi, grand-mère, en accouchant de mon premier tableau ?
Je me suis libéré de vous, Académiques, propagateurs de la médiocrité. Et j'ai joué, joué...
L'art est-il un jeu ?
J'en suis convaincu. Un jeu au sens vrai, profond du terme, comme la vie dans ses moments les plus intenses se concrétise dans un jeu. N'est-ce pas ?

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CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Le commencement

2007-06-05T16:12:00.000-07:00

Traduction française de Catherine Tissier-Thomas et Catherine Bachellerie

Avant le rêve

Leur Grand-mère

Ma grand-mère est âgée : elle a plus de quatre vingts ans. Elle a eu cinq filles et un seul garçon. Ma mère est sa seconde fille, et le garçon est le plus jeune. Ma grand-mère a pour lui un amour infini, qu'elle a légué à ses filles. Dirdis est parti, Dirdis est venu, Dirdis a dit.
Il s'appellait Guirguis, mais on disait "Dirdis", avec l'accent d'Assiout. Ce Dirdis avait un statut à part dans les maisons de mes tantes, un statut supérieur aux autres hommes, nos pères.
En ce temps-là, mon oncle Guirguis avait deux fils ; l'aîné avait un an de moins que moi et le plus jeune trois. Abnoub El-Hammam juste après la fin de la guerre, je n'avais pas huit ans. C'est à cette époque qu'ariva ce que je vais vous raconter ici.

La maison de mon oncle était à côté de celle de mon père. Mon grand-père avait une grande maison et une autre plus petite, toutes deux adjacentes à celles de mon père et de mon oncle. Ces autres maisons étaient les dernières de l'impasse EI-Sawâlem. N'y entraient que ses habitants et ses visiteurs.
Jetés sur le chemin où ne passait aucun étranger, il y avait de beaux papiers de bonbons, argentés, décorés de fleurs plus belles encore. Je les examinai, les palpai, sentis leur odeur délicieuse. Ils m'occupaient l'esprit, accaparaient mon imagination. Amm Hamza, le Soudanais, l'épicier du village, ne nous vendait que des bonbons à bon marché, au goût terne, lorsque nous avions la chance d'avoir un millième, rouge en ce temps-là.
J'entrai un jour dans la mandara, la pièce où ma grand-mère recevait, et qu'elle n'abandonnait que contrainte, pour aller aux toilettes. Elle était toujours assise à côté d'un banc de bois qui sentait le vieux, et qui était encore plus vieux qu'elle. Quand je passai la porte de la mandara, six yeux me fixèrent soudain, comme pris au dépourvu. Une odeur de complot se dégageait de la pièce et des yeux hostiles.

L'odeur parvint jusqu'aux yeux de mon innocence, jusqu'à les tuer. Un sourire bête se forma sur le visage de l'enfant de huit ans qui venait de découvrir l'odeur de la trahison et du crime ; prenant un air idiot, je quittai la pièce, comme si je n'avais rien remarqué, puis brusquement, j'entrai de nouveau. La boîte était dans les mains de ma grand-mère, la bouche ouverte sur les magnifiques bonbons, enveloppés de papier argenté décoré de dessins. Chaque enfant avait la main remplie des bonnes choses de la boîte et six yeux me regardaient : ceux des enfants, pleins de malice et de délectation, et ceux de ma grand-mère, sévères, pleins de reproche contre mon intrusion dans leur retraite, comme si j'avais commis une faute. Un instant passa qui me parut une éternité, puis la voix de ma grand-mère dit :
-Viens, Adly, prends un bonbon.
Mais qui allait me donner une voix pour répondre durant cet instant éternel? Mon esprit s'égara, tout en moi se mit à trembler. Allais-je pleurer et perdre la face devant eux? Je refoulai les cris mais cette voix que j'avais avant cette trahison refusait de sortir. Ma grand-mère répéta son invitation hypocrite. Laisse-moi donc tranquille toi, leur grand mère, que je me ressaisisse et que je puisse partir ! Je lançai un regard dur et haineux à leurs yeux qui ne cillèrent pas. Et je tournai le dos à ce lieu pour toujours.
J'ai gardé mon secret comme un déshonneur à ne pas dévoiler, jusqu'à mon retour de Paris, plus de trente ans après. Alors, j'en ai fait la confidence à ma mère, la seule qui avait ce droit. Avec son parler saïdi et ses yeux tendres qui m'enveloppaient, elle a murmuré :
- Mon fils... Et tu n'as jamais rien dit !
Ses mots, chargés de toute son affection et son amour, m'ont lavé de tout. C'est ainsi que l'histoire s'est achevée.

Cette histoire m'est revenue du plus profond de ma mémoire le jour" de la naissance de mon premier tableau - j'avais alors trente - deux ans. Ce Jour-là, je me suis amusé imaginer les réactions que j'aurais pu avoir.
Première hypothèse, la plus facile : j'aurais pu accepter ce jour-là de leur grand-mère qu'elle me traite comme un enfant de second rang, rester près d'elle et des fils de son fils, pour recevoir des miettes de sa tendresse. Cela ne s'est pas produit.

Seconde hypothèse : j'aurais pu me transformer en une brute, voler les affaires de leur grand-mère et frapper les fils de son fils Chaque fois que je me retrouvais seul avec eux. Cela n'est pas arrivé non plus.
Troisième hypothèse, ce que j'ai fait -je ne dis pas que j'ai choisi : j'ai refusé et j’ai détruit cette glande salivaire qui coulait dans la bouche de mon enfance.
J’ai détesté la laideur, j’ai suffoqué à cause de la méchanceté. J’ai été blessé par la saleté et la trahison.
J'ai quitté é de ma peau tout contact avec elle. Ce jour-là, j'ai couru vers le jardin, vers l'air, et les enfants de mon
cousin, qui eux non plus n'avaient rien à me cacher. Et nous avons joué ensemble, Nous nous sommes baignés dans l'eau à côté des pompes, et c'était comme si je me lavais de toute la saleté qui m'avait touché. Cette histoire a-t-elle un lien avec mon art ?

King Mariott, 19 juin 1991.

Le rêve

Le plus ancien souvenir remonte à l'âge de dix ans environ. Edouard, notre professeur de dessin, jouait du violon. Le professeur Edouard portait des lunettes à demi-monture dorée à la mode de l'époque, comme celles d'Abdel-Wahab. Je commençai à rêver de musique, mais comment un enfant de dix ans pouvait-il "savoir" que la musique est inaccessible dans son milieu social - une famille d'artisan, tisserand habile monté au Caire de son Saïd au début des années quarante - ? Arrachés à leur culture paysanne, à leur héritage saïdi, ils étaient devenus de petits commerçants sans aucun lien avec la culture écrite, pris par une vie purement matérielle, impitoyable ; ils plantaient leurs ongles dans la dure réalité de la ville pour survivre calculant chaque chose. C'est dans cette ambiance que grandit le petit garçon.
Et je découvris... le dessin.
Les feuilles de carton s'amoncelaient devant moi dans la boutique de mon frère, marchand de tissu, sans que j'ai à débourser un centime. Il suffisait d'un crayon noir ou, plus exactement, du crayon à copier que mon frère utilisait pour noter les achats et les ventes, pour que je m'amuse à dessiner tout le temps. Combien de baudets ai-je dessinés, combien de voitures de marchandises, combien de tout ce que mes yeux voyaient dans la rue Achara (aujourd'hui Abdou-Pacha) dans le quartier Wayliya à Abbassiya...

La décision

Elle fut prise à treize ans. Pourquoi cette clairvoyance si tôt? Je l'ignore encore… J'ai pris ma décision seul; la simple idée de m'ouvrir de mon souhait me terrorisait, tant mes rêves étaient en contradiction avec le vécu immédiat où se débattait la famille. Je me souviens parfaitement. Je pris le tram de la place Abbassiyeh jusqu'à Zamalek, et je trouvai une vieille muraille en fer que, dans mon imagination de gosse, mes yeux traversèrent pour découvrir un intérieur bien différent de la réalité comme un grand tableau riche en couleurs représentant le groupe des artistes, où mon imagination distinguait pas l'étudiant du professeur: ils avaient tous la même petite barbe que je porte aujourd'hui et ils "faisaient de l'art" ; l'air, les murs, tout était en couleurs. Je revins avec mon tableau imaginaire, et gardai mon secret pour moi.

Les études

Quand j'obtins mon baccalauréat, en 1955, je fis part de mon secret de mon désir à la famille. Refus. Il fallait que le fils dont l’instruction coûtait difficultés et sacrifices devînt médecin pour qu'on puisse être fier de lui, pharmacien à la rigueur, ou, au pire, professeur d’anglais. Nos aspirations étaient incompatibles. On me fit redoubler, avec l'espoir que j'obtiendrais le résultat qui me donnerait accès aux études qu'ils avaient choisies pour moi. Je fis exprès de ne pas obtenir les notes nécessaires à l'admission en médecine ou en pharmacie, mais je pouvais réaliser leur troisième voeu. En secret, je m'inscrivis à la faculté des beaux-arts, après avoir subi avec succès, sans aucune préparation, l'épreuve de sélection. Les nuages se dissipèrent lorsque j'obtins une bourse de mérite. J’annonçai à la famille que le gouvernement me donnait de l'argent pour mes excellents résultats. Ainsi, tout s'arrangeait entre nous, entre la bonne famille et moi ; le scandale était éteint, et pour moi, et pour eux qui souhaitaient voir s'alléger le fardeau qu'ils portaient.
Les études étaient diamétralement opposées au rêve : réalité académique, scolaire. Les trois années écoulées depuis le tableau imaginaire m'aidaient à le comprendre : à seize ans, j'avais mûri. J’étais un étudiant appliqué, consciencieux jusqu'à la bêtise. Les professeurs parlaient proportions, ombre et lumière, toucher de la surface, composition et reproduction des archétypes grecs, nature morte et modèles... Une mission m'enleva Gazzar, le seul qui m'ait chuchoté un peu d'art. Il nous transmettait une part de lui-même à nous nous les petits jeunes, avec douceur et gentillesse, comme si nous étions des grands et que nous comprenions. Kamal Amin m'enseigna quelques-uns des usages de l'art dans la vie, avec un enthousiasme qui devait s’engourdir au fil des ans ; il devint lui aussi un professeur traditionnel, attendant avec ennui la fin des cours. Les enseignants se cachaient dans leur salle, fuyant les ateliers où nous étudions, où nous les assaillions de questions sans fin.

Mais alors, où est l’art ?

C'est en dehors des murs de la faculté que je dénichai la première "oasis" : les rencontres du mercredi organisées par l'artiste Salah Taher, dans l'une des salles du musée d'art moderne qu'il dirigeait à l'époque - et qui fut sacrifié ensuite à la fièvre hôtelière. Il avait à ses côtés dans ces rencontres hebdomadaires Zaki Naguib Mahmoud et le Dr Youssef Mourad, aujourd'hui décédé.
Youssef Mourad savait faire passer un peu de son amour de l'art; il contribua plus qu'un autre à épancher ma soif. Après avoir exposé un point de vue au cours d'une discussion, il nous disait en riant : "Je vais me faire maintenant l'avocat du diable", et il reprenait la discussion du point de vue opposé. Il voulait que nous sachions... Que Dieu te garde !
La bibliothèque d'art attenante au musée regorgeait de livres rares et précieux, sans parler de la bibliothèque de la faculté d'arts plastiques. Nos yeux engloutissaient ces images, des reproductions de tableaux qui nous furent utiles. Hussein Fawzi nous initiait à la musique classique avec son remarquable programme hebdomadaire; il y avait aussi les auditions, à la discothèque du musée d'art moderne. Les revues Al-Magalla, dirigée par le Dr EI-Ahwani, si j'ai bonne mémoire, -puis par Yahya Haqqi, et Al-Risala Al Gadida, où je découvris les textes de Mahmoud Amin EI-Alem et la poésie de Salah Abdessabour et d'Ahmed Abdel-Moati Hegazi. Je me souviens encore de cet hémistiche : "Dis-le avec la poussière, la forme dans les mots nous a égarés". Pourquoi certains vers se gravent-ils ainsi dans la mémoire ?
Puis : une exposition au musée d'art moderne, où je découvre l'art de qualité, sincère et différent, de Kamal Khalifa. J'apprendrai par la suite qu'il avait arrêté ses études aux Beaux-Arts à cause de frictions avec des professeurs bornés et de l'intérêt limité des cours. Je me dis en riant que, tout en respectant sa position, je ne suis pas comme lui : car je pouvais supporter durant la moitié de la journée des études qui ne me satisfaisaient pas, ou plus exactement qui ne me suffisaient pas et me libérer de ce fardeau le reste du temps pour rechercher cet amant inaccessible, "l'art".
Ce dualisme était-il présent depuis le début ?

Avec la littérature

Revenons un peu en arrière, à l'époque où Sindbad façonnait les premières années de l'enfance. Nous achetions en nous cotisant un seul numéro que tous les enfants de la rue lisaient; l'un d'eux, qui s'appelait Saad, vola par la suite toute la collection. La page de "Soussoubad et Amabad" de Hussein Bikar dut avoir une influence particulière, car certains dessins sont encore aujourd'hui fixés dans ma mémoire.
Puis, je me mis à lire, à dévorer plutôt, les Arsène Lupin, les Sherlock Holmes et, les jours de chance, les romans d'Agatha Christie. Nous lisions plus d'un livre par jour. Je me souviens qu'une cloison séparait la pièce où je dormais de la chambre de mon frère aîné, le véritable chef de la famille. Cette cloison était percée d'une fenêtre, et mon frère m'interdisait la lumière la nuit. Nous ne connaissions pas encore les abat-jour, et je lus tous ces livres sous la couverture à la lueur d'une lampe électrique. Ma vue s'en ressent aujourd'hui, c'est sûr, mais peu importe, je n'ai pas de regrets.
Puis ce furent les romans et autres publications d'Al-Hilal : je me souviens de biographies du cheikh Omar Makram et du cheikh Charqawi. La première revu e littéraire fut L'Ame retrouvée de Tawfiq El-Hakim. Tous les titres d'AI-Kitab al-Dahabi et d'AI-Kitab al-fiddi, ceux de Dar an-nachr li-I-Jami'iyin, ceux d'al-Ezbekiyya et de Dar alCharq. J'ai lu avec passion tous les écrivains égyptiens, et j'aime encore Mahmoud Badaoui, Yahya Haqqi, Youssef Idriss. La littérature russe traduite, la littérature européenne en général et française en particulier. Mais je reviendrai bientôt sur la place de la lecture dans ma vie.

Les études, et après ?

Je terminai mes études aux Beaux-Arts. Bien entendu, il est une variété de fougueux que les professeurs n'aiment pas conserver dans les murs de la faculté, sous de faux prétextes qu'on aurait tort de prendre au sérieux. C'est plutôt le talent, l'angoisse de la recherche.
Samuel Henri, connu maintenant sous le nom d'Adam Henein Georges Bahgouri, Raga'i Wanis et beaucoup d'autres, Nabil Tag qui se frotta très tôt à l'art. Je m'arrêtai devant ses croquis au goudron représentant des ouvriers étalant l'asphalte pour lui dire "Ça, c'est de l'art". Nous n'étions pas liés par une amitié personnelle à l'époque. Tous ceux-Ià sont hors de tes murs. J'aurais souhaité être près des machines à gravure, comme on les appelle maintenant le « graphic ». Mais il n’en fut pas ainsi, je tournai le dos et ils en ont fait autant ? Dieu soit loué.

Où est l'art ?

Question lancinante. En mûrissant, en suivant des études académiques, je m'en suis éloigné, alors que je le croyais à portée de main. Quel contraste entre ce dernier jour d'études et le rêve de la vie colorée, des artistes colorés aussi, entre tes murs ?
Deux courants dominent alors les arts plastiques égyptiens. Le premier revendique la modernité par l'imitation des écoles occidentales ; je refuse cette voie intuitivement et, d'une certaine manière, consciemment. L'autre courant s'inspire de nos arts anciens, et notamment des arts populaires. Je pensais emprunter cette seconde voie, d'autant que j'avais été fortement marqué par Kamal Amin, l'une de ses vedettes, avec Sayyed Abdel-Rassoul et d'autres.

L'expérience d'une découverte

Une expérience importante : j'essaie de m'inspirer de dessins populaires nubiens dont Choukri Tawfiq m'a donné des reproductions photographiques. - Architecte doué et prometteur, il est parti pour l'Ouest américain, où il a été perdu pour nous. Mais revenons à notre récit : je reproduis avec habileté (est-ce vraiment de l'habileté ?), de manière plus structurée, professionnelle, un groupe de poussins. Puis je regarde mon dessin : de l'habileté, certes, une certaine qualité, mais il manque quelque chose. Quoi?
L'instant de la découverte illumine le coeur. Le dessin ne vibre pas comme celui de la jeune femme. Car je suis certain, quoique rien ne le prouve, que ce dessin est l'œuvre d'une jeune femme.
La jeune femme, en dessinant, accomplit un rite.
Elle élève cent poussins, dont quelques uns seulement survivront.
En les dessinant, elle les envoûte pour les protéger du malheur de la mort. Elle rend éternels ceux d'entre eux qui meurent en les dessinant.
Quand à moi je n'accomplis aucun rite.
Je prétends sans intérêt.
Donc sans issue.
Boitiller en s’appuyant sur une forme préexistante et prétendre lui apporter une nouvelle teneur est un mensonge majeur, qui trompe celui qui y croit, fût-il sincère dans ses intentions. L'art est forme et contenu indissociables l’un de l'autre. Aucune frontière ne les sépare qui nous autorise à commettre ce crime, le crime de séparer une forme de son contenu.
Les deux autre courants majeurs, apparemment opposés, sont en fait deux complices du même crime. Ceux qui claudiquent sur les béquilles de l’art occidental sont les mêmes que ceux qui prétendent s'appuyer sur l’héritage, même si les appellations différent.
J’ai compris que mon refus intuitif de l'imitation de l'art occidental était juste, mais aussi que ma première idée, l’idée que je me rangerais dans le second courant, si je lui avais donné suite, m’eût été fatale.
Je m’arrêtai pour reprendre ma recherche. L'atelier de Louxor offrait une bourse pour un séjour là-bas (à Gournah). Si je retournais au Saïd, aux sources de notre histoire ? Mais le frère aîné était exténué, et il me fallait assumer la responsabilité. Merci mon frère pour ce que tu as fait là. Je n'irais pas à l'atelier de Louxor malgré mon désir intense. Al Hilal organisait un concours pour recruter deux dessinateurs pour les revues Samir et Mickey. Je m'y présentai et j’obtins un poste. Mais je reviendrai ailleurs au dessin pour enfants. Car ce domaine, vers lequel je m'étais d'abord dirigé par un pur hasard, à la recherche d'un gagne-pain, allait prendre une place telle que je me retrouverais marié à cette voie et lui consacrerais une partie de ma vie.

La rencontre avec les écrivains

"Je t'invite à rencontrer les poètes et les écrivains de demain", m'annonce mon ami d'alors, Makram Henein, aujourd'hui dessinateur à AI-Ahram.
A Agouza, au pied d'un grand immeuble, un couloir étroit nous mène à une fenêtre à demi enterrée. Là, je suis frappé par un jeune homme aux traits épais - je le trouverai beau quand je le connaîtrai - et à la gallabieh rapée aux épaules, une quantité de feuilles de brouillon éparpillées autour de lui. Il nous accueille d'une voix rauque : "Je l'ai finie."
Il fixe d'un regard d'aigle la poche de ma chemise blanche immaculée où dépasse un paquet de cigarettes et s'écrie : - Vingt Belmont.. Donne !
Poliment, je sors une cigarette de mon paquet et la lui offre. Ses yeux lancent un éclat malicieux qui me plait, et que j'aime toujours chez lui malgré ce que les années ont fait de nous. Il crie encore :
- Les vingt Belmont, toutes !
Et il me prend le paquet des mains avec courtoisie, le pose devant lui d'un geste théâtral, prenant un faux air majestueux, ironique, et se met à lire « L'histoire du verre », dont je me rappelle encore le contenu et la construction. Soudain, il se rend compte qu'il ne me connaît pas, et nous en rions comme si nous nous connaissions depuis toujours.
Mohammed Gadd vit dans une pièce où tout est aussi usé que sa gallabieh, et qui sent la poussière et la sueur. Un seul et pauvre lit, et, sur les étagères, près du lit, par terre, partout, des centaines de livres rongés, lus par des dizaines de personnes. L'odeur de sueur suinte de partout, même de l'histoire que nous avions entendue.
Je pénètre dans cet univers et découvre que dans cette pièce à Agouza dorment chaque jour plus de dix personnes : poètes, écnvains, peintres... Je me mets à les fréquenter. Mohammed Gadd, Sayyed Khamis, Mahmoud Backchich et Makram Henein sont les occupants en titre, mais jamais ils ne passent une nuit seuls. Il y a là aussi Sayyed Higab, Yahya Taher Abdallah, Nazir Nabaa, Nabil Tag, le sculpteur palestinien EI-Hallaj, alors étudiant aux Beaux-Arts. Fréquentaient l'appartement tous ceux qu'on appellera plus tard la génération des années soixante. Nous échangions piastres et vêtements, rêves et illusions, maladies, brisures et déceptions.
Yahya Taher Abdallah me lit ses nouvelles comme des poèmes. Tout brûle : lui, sa cigarette, ses feuilles, son esprit. Je découvre Fouad Haddad à Barqouch. le pays de Sayyed Khamis et les Danses, que jusqu'à ce jour je considère comme un joyau de la poésie. Une autre dimension, un autre homme, et une poésie que les autres n'atteignent pas. Humilité et fierté, j'apprends que le chemin est Iong. Pourquoi est-il différent ?
Abdel-Hakim Qassem et ses « Sept jours de l'homme »; je lui dessine une couverture qui ne sera pas publiée mais qu'il a conservée jusqu'au jour de son départ, à la recherche ou avec l'illusion d'un succès rapide. Les uns essaient, d'autres échouent, d'autres s'égarent pour satisfaire quelques vils penchants, certains cherchent et tentent, tous sont refusés par l'édition et les médias officiels. J'illustre le premier recueil de Sayyed Higab ; « Wadie et Sainte Noëlle » de Ghaleb Halsa - couverture de premier ouvrage également -, il était un peu plus âgé que nous, et aussi intellectuel d'un autre genre, différent de notre génération; la couverture du premier livre d'Ibrahim Aslan, « Les lacs du soir » ; celle du premier Gamal Ghitany, « Carnets d'un jeune qui vécut il y a mille ans », il était un peu plus jeune que nous. L'amitié alors allait à la littérature, j'ai aujourd'hui pour amis la littérature et les écrivains, mais je ne fréquente guère les artistes peintres - chose étrange, qui ne m'a pas quitté.
J'avais un certain succès, mais il ne m'importait pas, ou ne me satisfaisait pas. Je n'avais pas encore trouvé ce que je cherchais. Je collais à ma génération et lui étais étranger tout à la fois. Encore le dualisme. Je vénérais ma liberté, qui me conduisait à la recherche, et j'étais alors bien loin d'être satisfait de moi.

Sur la compagne de voyage

J'ai fait sa connaissance dans les couloirs des éditions Al-HilaI.
Une beauté particulière, une magie au secret inconnu tout comme l'art. Elle cherche, essaie, veut un ami homme, comme elle me le confiera plus tard, et il semble qu'elle a trouvé satisfaction en ma personne. Trois années de déambulations communes dans les expositions, à la bibliothèque d'art, à celle de l'institut Goethe, ensemble tous les jours, nous discutons et échangeons des idées, amis véritables sans autre chose.
J'essai de la marier à des amis, et mes tentatives sérieuses échouaient, ou du moins est-ce ainsi que j'imagine les choses jusqu'au jour où je découvre en la regardant qu'elle est "ma femme'. Je le lui dis. Ensuite, je l'attends durant huit longues années. Car les barrières qui nous séparaient- étaient hautes, presque insurmontables. Mais j'étais convaincu qu'elle serait à moi, et ainsi en fut-il.
Elle m'a donné foi et sécurité. Elle a toujours cru en moi, sans étalage, sans déclaration niaise, lourde. Elle a partagé les années difficiles, et est toujours présente, sans jamais la moindre plainte. Quand elle rentrait à la maison, elle regardait du coin de l'oeil vers la table à dessin. Et était rassurée quand elle y voyait un travail. Je lui ai demandé un jour pourquoi.
- Quand tu travailles, tu es adorable, tu es le plus doux et le meilleur des hommes. Quand tu ne travailles pas, tu es insupportable je ne te veux pas.
Elle fut la première à croire en moi, et n'allez pas croire qu'elle aime toutes mes oeuvres. Je m'appuie beaucoup sur son regard sûr. Elle aime les tableaux cristallins et n'apprécie guère mes oeuvres quand elles penchent vers la représentation. Elle m’a donné deux filles : Tamr et Dalia. Je lui ai donné les désagréments de l'art, et sa beauté.

La calamité de 1967

Cela cogne sur les têtes. Nous nous effondrons, incrédules. ( avait beau être des marginaux, et contester beaucoup de choses, le plus pêssimiste d'entre nous n'imaginait pas que ce qui arriva. La génération précédente, plus proche du pouvoir, s'imaginait qu'il apporterait le salut. La mise en oeuvre était pleine de trous qui se sont tous logés au fond du navire. Les opportunistes se sont accrochés à la Révolution et à sesorganisations.
Années de doute et de confusion, où se mêlent intoxication, désespoir et folie.
Moi qui rêve d'art.
Toi l’inaccessible, où es-tu ?
Encore le commencement.

Le départ

Le départ, dénudé, laissant tout derrière moi. Pour recommencer. Essai d’études à Paris. Ils rient et disent : tes œuvres sont du niveau de fin d’études. L’Académie ne t’apportera rien de nouveau. Ne perds pas ton temps à étudier.

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Retour aux sources

2007-06-05T16:07:00.000-07:00

Par Claude Lafaye

Dans « Misère de notre poésie» publié en 1943, Gabriel Audisio écrivait, entre autres remarques : « La poésie ne réclame pas la liberté », elle est la liberté. Et aussi « la poésie n'a qu'une bouche mais elle a mille langues».

Pourquoi citer Gabriel Audisio, ce romancier et poète bien trop (et fort injustement) oublié aujourd'hui à propos d'Adli Rizkallah? Parce qu'il y a trop de points en commun pour ne pas les rapprocher et que c'est, très instinctivement, à lui et à notre ami commun Jean Grenier que j'ai immédiatement penser quand j’ai voulu parler du peintre.
Homme du midi - de Marseille ! - par la naissance, Gabriel Audisio installé à Alger à vingt et un an devint le père de cette « école d'Alger» groupant des auteurs d'A.Camus à J. Amrouche et dont la spécificité est très exactement « méditerranéenne ».

Le breton Jean Grenier, professeur d'A.Camus, lui s'y laissa prendre et écrivit ses premiers essais su cette même « région» qui, pour l'un comme pour l'autre, était un monde en soi, un monde par Ia sensibilité, la lumière, les dispositions de l'esprit. De plus J.Grenier était un très grand amateur de peinture et d'Alger à Téhéran, tous les artistes de qualité ont été remarqués et aidés par lui. Hélas il est mort trop tôt pour connaître Adli Rizkallah.

Commencer à parler de littérature guand on veut s'entretenir d'un peintre voudrait-il dire que notre peintre soit « littéraire »? Nullement. Mais comme G.Audisio, J.Grenier et A.Camus, Adli Rizkalla est avant tout un homme de la Méditerranée et encore plus d'une sensibilité, d'une «civilisation ». Sensiblement, physiquement, intellectuellement. Une manière de prototype. Et ceci m'est d'autant plus sensible que, comme J.Grenier, j'y suis très sensible « par l'extérieur» n'appartenant pas en profondeur à cette culture même si, comme tout Français, j'ai été formé par elle.

Que de précaution pour parler d'une œuvre ! Pas du tout, mais j'ai trop de mal à exprimer ce que je ressens devant n'importe quelle aquarelle de cet...artiste ? Surtout pas ce mot ! « Celui qui exerce un art libéral » dit Larousse. Voyons « art » : application des connaissances à la réalisation d'une conception ». Il n'a rien à voir avec cela : il n'applique pas de connaissances. Car il n'y a aucune connaissance au sens strict du mot c'est à dire - toujours Larousse ! « Avoir l'idée de…» La preuve ? Lui-même l'a donnée en mai 1990 dans un texte : « Etudes académiques patientes et acharnées à la recherche de l'art duquel je n'ai même pas aperçu le rivage ».

En effet, son oeuvre n'est marquée par aucune, je dis bien aucune tradition picturale, ni européenne,orientale. Il n'y a pas le plus petit fragment du moindre dessin, la moindre nuance de couleur, le moindre équilibre dans les formes qui puisse se rapporter à quelque « école» que se soit.

Sensation qui date des premiers jours, du premier regard. Je ne savais pas encore, en posant les yeux sur les aquarelles qu'il me montrait, que c'était ses débuts. J'étais allé en banlieue parisienne par une succession de hasards : une jeune femme que je recevais à mon bureau pour l'aider dans des recherches, m'avait impressionné par son éclat, sa curiosité - c'est si rare - sa culture, le français impeccable qu'elle parlait avec nonchalance, sa réserve qui n'était pas timidité. M'ayant entendu parler de peinture au téléphone (il y a toujours des appels téléphoniques pour couper votre conversation, pour une fois, celui-ci fut bénéfique !), elle me demanda si j'accepterais de voir les tableaux de son mari. J'acceptais d'autant plus volontiers qu'elle était égyptienne que j'étais très lié d'amitié avec la Reine Farida, elle-même peintre de talent. Et curieux.

Or donc, un samedi après-midi ou un dimanche : il y a de cela un peu plus d'un quart de siècle ! j'arrive à l'appartement des Rizkallah. L'homme me surprend. De taille moyenne, je ne vois que sa tête, une tête qui est dessinée autour d'un regard.

Car il y a d'abord le regard, le regard des deux yeux qui paraissent globuleux à cause des verres épais des lunettes, des yeux qui à la fois - je dis bien « à la fois » - vous regardent, vous voient mais ne quittent cependant pas le monde intérieur. Ensuite on voit une sorte de petite barbe au bas du menton qui rejoint la moustache pour presque cacher la bouche. Et les cheveux, noirs, en sorte de boucles qui lui donnent soit l'aspect d'un hirsute qui se peigne, soit d'un peigné hirsute. J'hésite...il passe si souvent la main dans la partie droite qu'elle se rebiffe !

Quelques mots un peu timidement, comme pour s'excuser. Puis il me présente quelques aquarelles, en silence. Et je me trouve en présence non de tableaux mais d'une oeuvre. De « quelque chose » qui échappe à la critique, à la raison, qui vient de ce profond dans l'individu que la main, qui est allée cueillir la couleur au bout du pinceau pour la porter sur le papier, n'est pas la main d'un homme mais une sorte d'intercesseur entre un monde intérieur et sa matérialisation pour les autres.

Stupéfait - il y a de quoi !- je regarde autour de moi et je vois uniquement, côte à côte, silencieux, Adli et sa femme. Sa femme dont le visage vu un peu de profil paraît tout droit sorti d'une fresque nilotique plusieurs fois millénaire. Le même monde. Etrange, très étrange impression que ce trio, la femme, l'homme, l'oeuvre, chaque élément étant lié à l'autre si dépendant de l'autre qu'il ne peut en être ni séparé, ni même éloigné. Plus tard, je trouverai d'Adli, cette révélation :
« Je l'ai trouvé, ce premier tableau
Paris 1971 le matin à trois heures
Tout mon être est ébranlé : larmes et joie, enlacé par l'épouse
la chérie, apaisante le coeur et le corps» (mai 1990)

Ce que je vois ce jour-là, vingt cinq ans plus tard, je le retrouverai, très exactement identique et totalement différent. Les couleurs aujourd'hui, sont plus vives, les contrastes Souvent plus marqués, les formes sont beaucoup plus affinées ou, plus précisément, font plus penser à une représentation réelle, ce qui est erroné !

Pyramides, personnages, corps, fleurs, soleil, lumière, forme…Formes et couleurs, ici, sont des leurres, de fausses expressions. Elles ne sont en fait contenues et définies que par l’organisation générale de l’espace et encore, bien plus que chez n’importe quel peintre, le tableau vient de derrière le support. C’est pourquoi je parlais de poésie au début du texte : « Le poète, disait Jean Cocteau, est celui qui recueille et rassemble des ondes venues d’ailleurs ». Rizkallah est un poète qui s’exprime par la couleur –ou l’absence de couleur- et par la forme pour mettre en harmonie, donner un sens à ces ondes. Des ondes venues de la culture méditerranéenne, j’entends celle qui existait déjà avant la naissance des Etats, d’une lumière, très spécifique au bassin et au désert qui le borde à l’est, des civilisations qui se sont succédées et surtout, surtout de civilisation pharaonique.

Comme, depuis la première vision, il n'est pas un seul des dessins d'Adli qui ne me touche profondément, y compris ceux pour les enfants qu'il exécuta à certaines périodes, à Paris (et peut être ailleurs aussi, après tout !), j'ai cherché à comprendre ou du moins à essayer de comprendre pourquoi cet enthousiasme, ce sentiment de plénitude, d'achevé, face à une telle expression qui a tout, à moi, non-méditerranéen, pour m'être étrangère. J'ouvre l' «Histoire de l'Art» d'Elie Faure : dans l'introduction à l'art oriental je lis ceci : « Si l'on veut pleinement comprendre l'art universel et ses manifestations innombrables dans l'espace et la durée, il faut avoir pénétré ce caractère essentiel de l'art égyptien dont, par l'intermédiaire de la Grèce presque toutes les formes connues dans le monde -toutes, peut être sont sorties.- Il les contient en devenir, comme une matrice parfaite où des millions d’images repliées dorment en attendant l'épreuve terrible du jour. Une spiritualité immense, celle qui se répandra sur le monde le long des siècles pour les féconder, est enfermée entre ses parois granitiques... ».

Et ceci répond à un texte de Rizkallah «Quand naît une aquarelle/oeuvre, quel est mon rôle? C'est comme si elle avait une vie qui lui est propre, un être qui naît sous mes yeux et dont je suis instant par instant la création puis la délectation devant une surface plate qui passe de l'inertie à une pulsion de vie. Fasciné à la naissance de la couleur, de la gestation du suc, de l'odeur de la vie qui émane de cet être évoluant dans une atmosphère colorée (...). Pour moi une aquarelle est « dans » et non « de ». »

Je pense que ces deux textes donnent les clefs. Ce n'est plus, après, qu'une question de réception personnelle.

La réponse appelle cependant une remarque : elle explique aussi le système des séries que l'on trouve chez lui. Système au sens étymologique du terme « placer avec ». Car l'oeuvre ne part pas dans tous les sens au même moment. On ne passe pas - le pourrait-il d'ailleurs, je ne le pense pas - d'un sujet à un autre, ce qui ne veut pas dire qu'il y ait répétition. Ni progression. C'est un monde en bulles dont chacune correspond à un moment de sensibilité, de quiétude, de joie, d'inquiétude. Le peintre explore chacune de ces bulles, de ces petits mondes clos - clos, pour l'instant - en donne l'essentiel, c'est à dire la vie de chaque parcelle et passe à un autre domaine quand la connaissance est achevée.

Je me souviens, très précisément, d'une série, pour l'avoir vue de la première à la dernière oeuvre [celle entreprise quand sa femme attendit sa première fille... » Ce qui est accompli aujourd'hui ne peu l'être demain (...). De la palpitation à la cristallisation telle est mon aquarelle ». En effet, toutes les jour et toutes les inquiétudes jaillirent en formes et couleurs.

L'image très particulière de l'aquarelle lui permet, me dit-il, d'obtenir ce qu'il n'aurait pas avec la peinture à l'huile. Le matériau, car le papier de support joue un rôle n négligeable (au fait, le papier... vient du papyrus. L'Egypte pharaonique). Je n'ai vu qu'une seule fois une impression semblable à celle obtenue régulièrement par Rizkallah avec la peinture à l'eau, c'est le ciel, le tout petit bout de ciel au milieu de la toile de l'atelier de Breughel de Velours « Chemin du Marché ». Un peu de ciel bleu et blanc avec des traces rosées. Et ces quelques centimètres carrés « font» le tableau à eux seuls.
Puisque l'on en est aux comparaisons, j'ai trouvé une autre oeuvre qui, totalement différente de celle de Rizkallah m'ait rappelé immédiatement son œuvre : c'est une peinture du XVII ème siècle, hollandais (1667) le « Village au bout du Canal» de Cornelis Decker, une toile relativement sombre, ambrée plus exactement, paysage dessiné avec le souci habituel d'exactitude des Maîtres Hollandais. Tombé sous le charme, j'ai cherché à comprendre et à comprendre aussi pourquoi elle me rappelait AdIi. Et bien c'est très simple, c'est une toile aux couleurs du soir mais aux couleurs de l'âme. Aux couleurs de ce que l'on ressent face à un tel spectacle à cette heure qui n'est pas encore de la nuit, n'est plus du jour, quand on a sorti toutes ses antennes sensibles, fermé toute critique et tout raisonnement, que seuls joue dès la réception du spectacle, l'accord avec les sons, les odeurs et les images.

« Les parfums, les couleurs et les sons se répondent ». Dommage que Baudelaire soit mort. Il aurait certainement pu mieux définir les accords secrets qui relient les éléments d'une oeuvre hors du temps.

A noter cependant une autre force que cette confrontation m'a permis de mettre en évidence. On connaît tous ce que les cinéastes appellent « l'effet Koulechov» (un comédien - il s'agissait d'Ivé Mosjoukine - au visage rigoureusement immobile est vu trois fois, par un simple effet de montage l'une après un plan montrant une assiette de soupe, l'autre après un plan montrant un cadavre, troisième après une femme à demi nue. Tout le monde admira le talent de l'acteur qui exprimait merveille la faim, l'angoisse, le désir...). Cette force de Rizkallah est dans le fait que l'état d'esprit, l'état de sensibilité dans lequel on se trouve lorsque l'on est mis en présence d'une aquarelle n'influe au contraire en rien dans le jugement que l'on porte, car l'accord intime s'établit immédiatement. Ici l'effet Koulechov n'existe pas : la force interne de l'œil est trop forte pour ne pas dominer celle de celui qui regarde.

Non, en fait pas hors du temps. D'aujourd'hui. Constamment d'aujourd'hui. Pourquoi ? Je n'en sais rien et cela m'est, en fait, parfaitement égal. Je constate. C'est cela la liberté, la liberté de l'artiste, liberté que l'artiste donne. Et je comprends de mieux en mieux le conseil de Gabriel Audisio « quelque chose vous plaît, dites le, et il suffit. Vos raisons n'importent guère. Si quelque chose ne vous plaît pas dites le, mais il faut donner ses raisons.

Rizkallah me donne la liberté de ne pas avoir à dire pourquoi j'aime passionnément ses œuvres, pourquoi elles sont formidablement d'aujourd'hui. Car si on aime c'est parce il y a une intinité d’accords qui n’ont rien à voir avec l’intelligence (mariage d'amour contre mariage de raison...) ni avec la culture parce qu'ils touchent aux fibres les plus secrètt de l'être. Et si elles sont d'aujourd'hui c'est parce qu'il y a une modernité qui tient certainement au fait que la forme n'a plus à être définie pour donner l'impression voulue. II n'est pas nécessaire qu'une femme ait un ventre, des seins, des jambes, des bras, un cou, une tête pour représenter la mère ou l'amante. Il suffit d'une succession de plans en des tonalités différentes pour créer l'objet par l'impression.

« Il n'est pas la copie d'un autre être sur terre, non plus une tentation pour s'en approcher. Il naît pour la première et aussi pour la dernière fois, il ne se répète pas, il ne ressemble à rien d'ici bas, il vit instant très spécial, un instant éternel ». (Rizkallah Mai 1990).

Une permanence me frappe quand on reprend l'oeuvre du début. Celle des lignes de partage des plans ne sont faites que d'arrêt, de changement d'une couleur, d'une teinte, sans donner jamais l’ impression de rupture. Autrement dit, le tableau est fait d'une succession de plans qui donne chacun, une profondeur. On n'est jamais dans le plat mais dans les profondeurs, sans pour autant qu’il puisse paraître un manque d'assise. Ce n'est pas un jeu de construction établi mais il est composé par l'oeil qui regarde. « L'oeil écoute » écrivit Claudel. Exact, l'oeil ici écoute la distance, écoute ce qui peuple la distance. Tout tableau est situé dans l'espace et c'est aussi l'espace qui le définit. Elie Faure apporte une réponse : « l'art égyptien pendant 5 ou 6000 ans est resté, jusqu'à sa mort, plongé dans l'architecture, je veux dire dans une conception architecturale infrangible de l'univers».

C'est sans doute en héritier d'une tradition plusieurs fois millénaire avec laquelle il a renoué soudain les liens, « un matin à trois heures en 1971 à Paris», c'est en maintenant ce lien qu'il a réussi à maintenir une unité, une unité qui domine tout ce que l'on peut prendre pour évolution - couleurs plus forte, plans plus marqués etc... Ce qu'il explique d'ailleurs fort bien : « Lorsqu’une première aquarelle naît, elle m'invite à lui faire l'amour. Et, avant que je me répande entièrement, je m'arrête, garde quelques gouttes de ma sève. Ces gouttes seront, plus tard levain d'une nouvelle naissance ».
Car ce monde dans lequel il est né à trente deux ans après des études « patientes et acharnées» il le décrit ainsi avec infiniment de vérité et de puissance ; « La Voie Sacrée s'ouvrait à moi, sans détour, un pas et c'est l'irrévocable».

La non-évolution ici n'est pas une forme de statisme, de surplace. Il est Héritier. Héritier d'une, de plusieurs cultures mais essentiellement à laquelle viennent s'accrocher Ies autres, héritier de sensibilités multiples, héritier d'une lumière. Chaque oeuvre n'est que la représentation de cet extraordinaire pays qui est son monde intérieur. « Le rêve me dominait et les entrailles grouillaient de vie». Vivrait-il mille ans que l'exploration de cet univers ne serait achevée. C'est la raison de son unité.

Peut-être aurait-il fallu détailler la technique, l'assemblage des couleurs, la composition des oeuvres s'expliquer sur l'utilisation de l'aquarelle...

Peut-être. technique qui se voit est une mauvaise technique, tout assemblage de couleurs que «l’on peut codifier ou classifier est une volonté de faiseur, toute décomposition réussie est une preuve d'habilité mathématique. »

Peu m'importe. Je suis devant une oeuvre, une oeuvre qui me procure une véritable ivresse organique.

Je n'ai bien besoin de rien d'autre.

Portrait

2007-06-05T16:06:00.000-07:00

par Khaïri Chalabi

Un visage, tel une lanterne de Ramadan, travaillée à la main, à la manière ancienne, dotée de plusieurs facettes formées de découpes de verre coloré. La flamme est unique en son coeur, mais la lumière qui en jaillit revêt de multiples couleurs. Le menton est étiré par une barbe hirsute. Le nez dort au dessus des lèvres, du sommeil stable et éternel du Sphinx. Telle une personnification de la sagesse des temps, rendue par un regard, dominant l'horizon infini, engendrée par le matin, le soleil, la nuit et la pluie. Sur les rives du fleuve, vertes colorées et bariolées de fleurs, se posent deux yeux, dissimulés derrière deux verres correcteurs. Ils semblent être deux ouvertures servant à attiser un feu capturé aux rayons du soleil. Ils sont remplis de patience, de persévérance, d'amour débordant de la vie ainsi que d'une suave passion pour la couleur.
Tel est le visage de ce peintre. Adli Rizkallah appartient à notre génération. Il est devenu une des personnalités de l'art figuratif égyptien moderne, dont nous pouvons être fiers. Cinquante huit ans, trente-deux expositions dont dix à Paris, dix au Caire et le reste en Jordanie, Beyrouth, Koweit et Hollande. Issu de l'Université des Beaux Arts du Caire en 1961, il travaille pendant dix ans pour la presse enfantine aux éditions Dar AI-Hillal. Il parfait sa formation artistique à Paris où ses dons se révèlent pleinement. Il découvre alors ses convictions profondes et dévoile le secret de la couleur, afin de s'en servir pour écrire sa propre symphonie et créer un monde qui lui appartient. .., , .

Il devient ainsi, lui même, un nouveau verset de la Sourate « couleur». Il est saïdien (région du Saïd, Haute Egypte). D'Assiout. Et ni son allure occidentale, ni la canne qui l'accompagne en permanence à l'instar d'un Yahia Haqqi ou d'un Tewfik Al Hakim, ni encore ses extravagantes capes taiwanaises ou japonaises qu'il revêt, ne nous bernent quant à ses origines. Tout cela ne cache pas la jeunesse éternelle de son coeur et moins encore sa « saïdinité» authentique. Même sa langue, sur laquelle courent des expressions occidentales élégantes et chantantes se réadapte au plus vite aux forts accents du Saïd dès que son maître traite ou parle avec son peuple.

C'est un saïdien pur, dans tous les sens de ce terme. On le voit parfois à l'heure de sa pause, assis au café de « la fleur du jardin », seul, sa canne à la main. On pourrait imaginer alors, qu'il est prêtre palestinien qui se serait secrètement échappé de l'un de ces couvents, déguisé en costume typiquement occidental. Approche-toi de lui sans crainte. Tu le feras sans doute devant le scintillement qui émane de son regard et qui te fascine pendant un instant. Puis tu te sentiras plus proche de lui, plus intime. Comme si tu avais grandi dans la même demeure que lui et que vous aviez couru ensemble, nus, derrière le camion d'arrosage municipal. Tu te trouveras devant un vieil enfant railleur plein d'espièglerie et empli d'une éternelle tendance à la gaité et au jeu. Se sont cette sincérité et cet authenticité qu 'il met en oeuvre dans son art.

Si tu te décides de jouer avec lui dix parties de trictrac, saches que les dix deviendront rapidement vingt, puis trente, puis cent. Il dressera pour toi ses pièges, les uns après les autres. Te laissera gagner avec générosité. Il ira même jusqu'à t'aider, te guider vers « l'authentique technique stratégique» qui pourrait te permettre de le vaincre. C'est alors que ton attention se figera, que tu te redresseras sur ton siège et que tu resteras sur tes gardes. N'imagines jamais le vaincre après cela. Car dans le jeu, il ne fait plus de distinction entre les gens que s'ils sont virtuoses joueurs. Sa jeunesse fera alors place à sa sagesse et le marchand de pomme de terre douce au sous secrétaire d'état.

Son père est sériculteur, tisserand en d'autres termes. Son outil principal est un métier à tisser manuel sur lequel il atèle ses tapis et les habits de soie qu'il fabrique. Cet homme est le père de six enfants dont Adli est le cadet. Vingt ans le séparent de son frère aîné. Il a ainsi bénéficié de l'expérience de tous ses frères et soeurs. Son intelligence est la moisson du savoir faire de ses aînés qui sont tous aujourd'hui, dans le commerce. Lui, parcourt la mer des couleurs faisant figure à part parmi les peintres les plus talentueux et les plus célèbres de sa génération tel Nagib Taj, Goda Khalifa, Al Labbad, AJ-Dissoqi Fahmi et Azzedine Nagib. Il est aussi devenu un des plus grands aquarellistes égyptiens du 20ème siècle. Car la couleur est pour lui une amulette secrète qui lui permet de formuler les mots de toute une langue dont il se sert pour fouiller dans l'existence, en extraire l'essence et deviner les vérités contenues dans les choses et les composants originels de l'univers. Il n'est pas surprenant que bon nombre de poètes égytpiens l’ait encensé. Il est probablement l'un de nos seuls peintres à avoir bénéficié d'un nombre aussi important de qasâ'id (poèmes en arabe classique) de poètes tels que" Ahmed Higazi, Abdel Mon'im Ramadan et Amgad Rayam. C'est probablement car son univers de couleur est un monde poétique pur dont découlent les images les unes des autres.
Adli Rizkallah fusionne totalement avec la nature. Elle est pour lui aussi bien une tendre mère qu'une maîtresse. La relation qui existe entre eux est une source intarissable de fécondité, de renouvellement et d'épanouissement.
Sa démarche évoque parfaitement la logique qu'utilise la technique de forage. Un premier sondage effectué à un point précis nous permet, nous révèle une première région jusque là inconnue. Celle-ci nous menera telle une passerelle vers une nouvelle strate qui elle, nous guidera peut être vers la « chambre mortuaire ». Aboutir à cette dernière est loin d'être en soi, une fin ultime. Cette expérience sera utilisée pour aller encore plus loin, plus profond, au coeur du trésor caché. L'image chez Adli RizkaIlah n'est ni isolée, ni unique. Elle résulte de la convergence d'une multitude d'images qui se mélangent. C'est comme une fatira mecheltata (sorte de beignet à pâte feuilleté de la campagne égyptienne), formée de ces couches de pâte séparées par le gras et distinctes les unes des autres. Comme notre univers constitué de particules imbriquées les unes dans les autres et gardant chacune, malgré son appartenance au tout, un potentiel propre, tendant vers l'unicité fusionnelle fondée sur la complémentarité des constituants en présence.
Les pétales de fleurs évoquent, par exemple, une multitude de formes qui symbolisent la vie et le génie de la nature. Si on les isolent, ils prennent l'allure de voiles de goélettes, de flammes, de baillonettes aiguisées, de poignards, de coeurs ou de seins. Toutes ces formes peuvent être réunies en un même instant. L'image puise alors sa richesse dans l'évocation et préserve ainsi le geste musical et rythmique de l'artiste.
D'autre fois, on croirait qu'il manipule des lentilles optiques, un peu à la manière d'un opticien testant notre capacité oculaire à saisir les distances. S'il applique une première lentille sur tes yeux, tu t'aperçois que le monde visible soudain s'éclaire et que tu en distingues désormais les traits. S'il superpose une deuxième lentille, tout se précise davantage. Tu découvres alors certains détails nouveaux jusque là enfouis dans l'ombre. C'est ainsi que les lentilles opèrent les unes après les autres afin d'agrandir notre champs de vision et notre acuité visuelle et de nous faire apparaître les moindres finesses des objets les plus éloignés. Il est frappant de constater combien cette méthode est proche, de la démarche de Adli Rizkallah. Il ne peint ainsi, jamais qu'un seul tableau mais toujours une série d’où émerge une seule thématique. La première oeuvre ne sera qu'un simple rocher qui commence à se fissurer légèrement, de manière à estomper un geste secret proche de la division de l’intention et annonciateur de la création novatrice. Dans le second tableau le rocher a fini de se fissurer, un pieux surgit comme une ombre de cette fente pleine de vie. Il contient en lui des dizaines de détails vivant comme une multitude de branches, de feuilles et de fleurs. Il se personnifie dans ses créatures inconnues et imaginaires mais en même temps si familières. Tout cela jaillit de ce volcan de couleurs qui atténuent les distances et séparent les choses les unes des autres en même temps qu' elles nous séparent d'elles. S'unissent alors dans notre regard, le visible et le perceptible, la science et l'art, la poésie et la vie, le réel et l'imaginaire, le rêve et le mythe et le possible avec l'impossible. Le rocher, le palmier, le ventre maternel, l'utérus el la fleur, sont les principaux éléments que Adli Rizkaliah utilise dans la construction de sa vision de la vie. L'ovale est le symbole de la terre, caché en toute créature qui vit sur terre et dans les cieux. Cela commence de la graine et de la goutte à l'utérus et au halo que forme la lumière. L'utérus occupe une place primordiale dans les tableaux du peintre. Surtout dans ses dernières séries et particulièrement dans celles qui traitent des fleurs (présentées dans sa dernière exposition à l'Institut Goethe du Caire).
Dans chaque oeuvre, l'arrondi de l'utérus coloré d'un gris bleuté est présent. Telle une enveloppe protectrice, il évoque aussi par sa couleur l'atmosphère qui entoure la terre. La vie est sous-jacente de l'immobilité. Comme si la terre brûlait avec force à l'instant des premières douleurs de l'enfantement. Comme si elle annonçait qu'elle allait accoucher, ou qu'elle accouchait déjà. Peut être dans Je prochain tableau. Celui qui doit s'extraire des premiers.
Au coeur de la roche, une obscurité totale. L'anéantissement et la destruction sont ceux d'une création nouvelle. L'obscurité est un degré de lumière, la lumière, une lamelle de couleur, la couleur, une pulsation des choses connues et inconnues. Le connu et l'inconnu sont tous deux enfouis dans les entrailles de la terre. Cette terre qui n'est, dans sa globalité, qu'une intime partie d'un univers extrêmement vaste et complexe, lui même simple ligne de l'écriture de la création, secret parmi les secrets du divin, l'Unique, le Tout Puissant.
Si l'image puise ses ornements et s'embellit dans le tableau, le spectateur se pense capable d'en saisir les composants et de l'embrasser d'un seul regard. C'est alors qu'une étrange impulsion jaillit du tréfonds de son esprit, boulverse ses certitudes et le pousse à reconsidérer les détails. Ce qu'il pensait être une colonne de marbre en forme de fleur de lotus, s'avère être le pied d'une jeune fille bien en chair, assise sur ce bleu profond entre les sommets des pyramides. Celles-ci à bien y regarder, se transforment à leur tour en feuilles de bananiers, puis en voiles de goélette allant à leur plus vive allure et se jouant des vents. Le bleu profond, ondulant, n'est autre que la surface de la mer. L'ossature de la jeune fille ressemble de loin à l'ombre d'une sculpture pharaonique. Mais lorsqu'on se rapproche, elle évoque plus une forme qui rappelle un pigeonnier, une cloche d'église ou le mausolée d'un saint. Et ce n'est que tout près que ses traits se précisent. Quand on la fixe, elle paraît nous observer de ses yeux volontaires, dotés de cils et de sourcils.
Cette structure n'est le résultat que d'une simple idée passagère, une simple couverture de roman (Les filles d'Alexandrie) d'Edward Kharât.
Adli Rizkallah s'adonne à cette activité, qui consiste à créer des jaquettes de livre, seulement quand un ouvrage le touche profondément. La vérité est qu'il est un lecteur invétéré. Il aborde avec patience et assiduité tout ouvrage artistique ou littéraire qui lui tombe entre les mains. Et il me paraît souvent plus assidu que bon nombre d'écrivains. Il ne faut pas oublier qu'avant sa célébrité Adli s'était joint à la cause du mouvement des jeunes écrivains et qu'il a marqué de son empreinte l'histoire de cette association.
Il crée la couverture du premier livre de Gamal Al Ghitani (feuillets d'un jeune homme qui a vécu il y a mille ans), celle du « forgeron», roman de Yussef AI-Qa'id, celle de l'ouvragé de Ghaleb Halmas (Wadî'wa al-qadima, mîled wa âkharun) et enfin celle de la première oeuvre de Ibrahim Aslan (buhayrit al-massâ'), Lac d'un après midi. Il n'a de cesse, jusqu’aujourd'hui, d'excercer cette activité avec la même persévérance que celle qu'il emploie pour exécuter ces grands tableaux.

JOUER, JOUER, JOUER ET APPRENDRE

2007-06-02T19:28:00.000-07:00

Projet "Doudou"

1- Pour les petits de 3 à 7 ans

Ce projet est la mise en pratique d’une pensée, d’une théorie et d’une vision du monde très profonde et pénétrante, développée par un grand artiste déjà bien connu dans l’univers du dessin pour adultes et ayant apporté de notoires contributions dans la littérature et l’art pour enfants, en Égypte, dans le Monde Arabe ainsi qu’au niveau international.

Le projet « Doudou… joue, joue tout en apprenant » est basé sur une méthode sérieuse fondée sur des critères principalement artistiques. Il insiste en particulier, sur l’aspect pédagogique et son caractère intensif qui doit conduire l’enfant au questionnement, à la recherche et à la découverte.

L’artiste Adly RIZKALLAH a opté pour une méthode d’apprentissage par le jeu, au moyen de dessins d’un niveau artistique élevé et d’une grande modernité, connue sous le nom de : « jouer et apprendre par l’Art » ("Play and Learn through Art"). L’apprentissage et l’acquisition des diverses compétences résultent alors de l’expérience des jeux de ce projet, procurant à l’enfant plaisir, divertissement et une bonne pratique de la liberté.

RIZKALLAH utilise la forme ou le dessin comme en mathématiques modernes, faisant appel à la logique, à l’observation, à l’analyse et la synthèse par le biais de représentations visuelles. On sait à quel point la présence des formes est d’une importance vitale pour la pensée de l’enfant, en particulier durant l’étape qui précède le passage par l’école.

C’est pourquoi une bonne partie du projet s’adresse aux enfants qui n’ont pas encore pénétré l’univers de la lecture et de l’écriture. C’est donc une tentative spécifique d’éveiller et de mettre en marche la « pensée visuelle » (qui tente d’appréhender le monde par le langage des formes). Or, ceci est absolument nécessaire afin que soient mis en route toutes les capacités du cerveau et, plus généralement, des sens humains.

Les dessins du projet ne sont pas toujours une reproduction de la réalité et ce dans l’intention précise de développer l’imaginaire de l’enfant ainsi que ses capacités créatives et inventives ; toutes choses déjà présentes chez l’enfant mais qu’anéantissent les systèmes traditionnels d’enseignement dicté.

Le projet a évolué sur un quart de siècle, faisant mûrir l’expérience au point de la rendre applicable à des millions de nos enfants, qu’ils soient égyptiens ou plus généralement arabes, leur permettant ainsi d’entrer dans le 21ème siècle, outillés et prêts à affronter notre époque de technologie, d’information et de communications.

2 – Importance du projet

Ce qui caractérise en premier lieu ce projet, c’est le niveau artistique original de ses œuvres et le fait qu’il se base sur l’une des plus récentes méthodes pédagogiques au monde, celle de l’Apprentissage par le biais de l’Art et du Jeu tout en lui fournissant les bases des différentes sciences.

La méthode du projet cherche à aider l’enfant à l’explosion des ses énergies, au moyen du développement de ses diverses compétences et capacités. En conséquence, le projet mène au développement de la personnalité de l’enfant (character education), créant et développant ainsi des personnalités indépendantes, originales et inventives.

Le projet respecte, tout particulièrement, les possibilités, les dons, les penchants ainsi que les points faibles de l’enfant et les prend en ligne de compte. Notons que ce sont exactement ces spécificités et ces différences propres à chaque enfant que négligent complètement les systèmes traditionnels d’enseignement dicté.

Le dessin – qui est l’aspect visuel du projet – occupe 90 % de la méthode « Doudou … joue, joue tout en apprenant », ce qui en rend la traduction vers les diverses langues et son aptitude à s’adresser aux enfants du monde entier, fort facile.

Les personnages des jeux ont été dessinés de manière simple et non héroïque, afin que cela ne constitue pas de défi aux capacités des enfants, lorsqu’ils s’adonnent aux mêmes jeux. En même temps, cela permet de développer chez eux une participation positive et efficace ainsi que la confiance en soi.

3 – Objectifs généraux du projet

Implanter chez l’enfant l’amour et le respect de la Vie et de la Nature, tout en développant chez lui, à un âge précoce, un sentiment intérieur de responsabilité et de complicité positive et efficace ainsi qu’une saine curiosité. Ce faisant, nous lui évitons l’ennui et l’envie de rester planté, des heures entières, devant les écrans de télévision, de l’ordinateur ou des jeux vidéo qui deviennent très vite une addiction. Que de parents se plaignent du manque de concentration, d’absence du sens de responsabilité, de l’égoïsme, de la timidité, de l’agressivité et de la passivité de leurs enfants, en raison de leur style de vie !...

Établir le lien entre l’enfant et le livre, entre l’enfant et les mots afin d’ancrer en lui, dès la petite enfance, l’amour de la lecture et des livres ainsi que la manière de se détendre en leur compagnie et d’en tirer profit.

Développer une relation entre l’enfant et les jeux visuels, les couleurs et les formes, pour que s’en nourrisse son imagination et que cela ait une influence positive sur le développement de ses sens et de ses capacités, tout en éduquant son goût.

Former un enfant qui ait un sens aigu de la beauté, un goût pour les arts et les musiques dans leur diversité, afin de s’ouvrir par la suite au monde et aux différentes civilisations.

Faire en sorte que le processus d’éducation ne soit pas réduit à la seule activité scolaire mais que les parents aient un rôle actif envers leurs enfants, encourageant ainsi la communication entre parents et enfants.

Le projet cherche à développer diverses zones du cerveau de l’enfant et ses différents centres de perception et de conscience et pareillement son système nerveux et psychique, pour qu’il jouisse d’un niveau élevé d’intelligence affective et sociale.

Le projet contribue de manière essentielle à former des personnalités indépendantes et ancrées dans leur environnement familial et social, pour en faire des personnalités d’un niveau égal, sociables, sans renfermement sur soi ni agressivité.

Le projet développe le sentiment d’identité de l’enfant et combat l’idée d’infériorité.

Placer, dès le début, le processus d’enseignement dans un contexte sain et évolué pour nos pays, en rattrapant les méthodes éducatives modernes mondiales.

Le Projet

Le projet se compose de différents ensembles, répartis selon les différentes compétences à développer chez l’enfant. Les parties de chaque ensemble varient du livre ou du livret accordéon, au cahier de jeu, aux cartes de jeu, en passant par des jeux sur ordinateur et des autocollants.

Ces diverses parties (les cartes, les livres,…) croissent en difficulté au fur et à mesure mais il y a des niveaux différents à l’intérieur de chaque partie ou de chaque jeu, excepté pour les autocollants et les cahiers de lettres et de chiffres.

Le projet développe des outils de base dans les diverses sciences tels que :

Les lettres alphabétiques et les chiffres.
Faire connaître à l’enfant l’univers des signes.
Initier l’enfant aux fondements des recherches visuelles modernes. Les arts visuels et graphiques (Visual arts and graphics).
Inculquer les bases et principes des mathématiques modernes et des Beaux-Arts.
Apprendre les fondements de la décoration et du patrimoine arabe.
Initier l’enfant aux réalités premières de la Nature, de la biologie et de l’agriculture.

Le projet développe diverses capacités et compétences :

La capacité d’observation et de concentration de l’enfant.
Sa capacité d’invention, d’imagination et de création.
Diverses zones du cerveau de l’enfant, ses centres de perception et de conscience ainsi que sa mémoire.
La capacité de l’enfant à faire le lien entre les choses et à percevoir les relations entre elles.
Sa capacité à relier la partie au tout
Sa capacité à résoudre les exercices, de plus d’une manière et de parvenir à des solutions différentes et équivalentes. (Problem solving and finding alternatives ).
Éducation de l’enfant à la réflexion méthodique, critique, logique et ordonnée. (Logical methodological and critical thinking).

Pour elle

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Aquarelles sculpturales

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Galerie 3

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Galerie 10

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Galerie 11 (divers)

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Galerie 9

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Galerie 8

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Galerie 7

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Galerie 6

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Publications

2007-05-31T13:38:00.001-07:00

Ouvrages :

7 interprétations et 7 tableaux, textes d’Edwar Al Kharrat, éditions du Ministère de la Culture, 1996, Le Caire

Autobiographie tome I : L’arrivée / arrivée au commencement trouver le chemin, la voie : dans l’art et dans la vie, 1999 (lire un extrait)

Autobiographie tome II : Le chemin dans l’art et dans la vie, Al Haia Al Amma Lil Kitab, 2005

Article "L’art pour tous" : renaissance du musée d’art moderne, revue Adab Wa Naqd, mai 2005, n° 237

En cours :

L’art occidental au Xxème siècle en 10 volumes

Shalabeya Ibrahim : peintre égyptienne

Série d’articles intitulée "réflexion d’un peintre sur l’art", revue Al Hilal, Egypte

Jeunesse :

Publication d’œuvres pour enfants à Pomme d’Api, Okapi et Perlin et Pinpin, 1971

Mini et Minette, éditions Fleurus, 1978, Paris

Magazines Samir et Mikey à Dar Al Hilal, Oussama et Rafi, 1961 – 1971, Syrie

L’oie blanche, Editions Dar Al Fata Al Arabi, 1980, Le Caire "Prix de la foire internationale de Leizpig, 1980"

Les Chiffres, éditions Dar Al Fata Al Arabi, 1981, Liban

Automatic, Dar Al Fata Al Arabi, 1981, Liban

Le chat aime le chant, éditions Dar Al Moustakbal Al Arabi, 1986, Le Caire

La lanterne magique, éditions Dar Al Moustakbal Al Arabi, 1986, Le Caire. Edition en langue française par Syros, 1990, Paris

Tamr, projet éducatif, art et mathématiques modernes pour les enfants de 3 à 5 ans (édition de deux numéros exemplaires par le Ministère de la Culture, Egypte, 1995).

Tamr, n° 1 à 10, éditions Elias, 1998, Le Caire (voir couvertures)

Le grand arbre qui fait de l’ombre, Al Haia Al Amma Lil Kitab, 2000, Le Caire

La dernière feuille de l’arbre, Al Haia Al Amma Lil Kitab, 2000, Le Caire

Le jeu des couleurs, Al Haia Al Amma Lil Kitab, 2001, Le Caire

L’histoire des deux arbres, éditions Assala, 2004, Beyrouth

Le peintre et ses rêves, éditions Assala, 2004, Beyrouth

Expositions

2007-05-31T13:37:00.001-07:00

1973 : Atelier Marianne Clousot, Paris

1974 : Galerie le Ranelagh, Paris

1975 : Centre Culturel Egyptien, Paris

1976 : Centre Culturel d’Irak, Paris

1977 : Galerie La Roue, Paris
Galerie Ideal, La Haye, Pays-bas
Centre Culturel d’Egypte, Paris

1978 : Centre Culturel d’Egypte, Paris

1981 : Atelier du Caire, Le Caire

1982 : Institut Goethe, Le Caire
Salle Al Muaalimine, Zagazig
Atelier du Caire, Le Caire

1983 : Atelier du Caire, Le Caire

1984 : Syndicat des journalistes, Le Caire

1985 : Galerie Akhnaton, Le Caire

1986 : Atelier du Caire, Le Caire

1987 : Galerie Abdel Moneim Al Sawi, Le Caire
Atelier du Caire, Le Caire

1988 : Galerie Al Salam, Le Caire
Galerie Ghada Al Sarraf, Koweït City
Centre Culturel d’Egypte, Paris
Atelier du Caire, Le Caire

1989 : Palais de la Culture, Assiout
Galerie Al Wasti, Amman
Galerie Bushehri, Koweït City

1990 : Centre Culturel d’Egypte, Paris
Galerie Abdel Moneim Al Sawi, Le Caire

1991 : Institut Goethe, Le Caire
Galerie de l’Opéra, Le Caire

1992 : Galerie Akhnaton, Le Caire
Centre Culturel d’Egypte, Paris

1993 : Galerie Al Hanaguer, Le Caire

1994 : Galerie de l’Opéra, Le Caire

Galerie Akhnaton, Le Caire
Théâtre de Beyrouth, Beyrouth

1995 : Galerie Khan Al Maghrabi, Le Caire

1996 : Atelier du Caire, Le Caire
Centre Culturel d’Egypte, Paris
Galerie Douroub, Le Caire.

1997 : Galerie Extra, Le Caire
Centre Culturel d’Egypte, Paris

1998 : Galerie Picasso, Le Caire
Galerie Akhnaton, Le Caire

1999 : Galerie Picasso, Le Caire
Exposition et colloques pendant 4 jours à l’occasion du 60ème anniversaire au Palais Ahmed Shawky, Le Caire

2000 : Rétrospective : mille tableaux, Kasr El Fenoun, Opéra du Caire, Le Caire

2001 : Galerie Baladna, Amman

2002 : Galerie Picasso, Le Caire

2003 : Galerie 5+5, Le Caire

2004 : Dar El Fenoun, Koweït City

2005 : Galerie Picasso, Le Caire

2006 : Academia d’Egitto, Rome

2007 : Centre Culturel d’Egypte, Paris

Biographie

2007-05-31T13:36:00.001-07:00

1939 : Naissance en Haute Egypte, Assiout, Abnoub Al Hammam

1956 – 1961 : Etudie la gravure aux Beaux Arts.

1961 – 1962 : Etudes à l’Institut d’Art copte. Rencontre avec Habib Gorgui, Ragheb Ayad et Ramsis W. Wassef.

1961 – 1971 : Emissions pour
enfants à la télévision égyptienne.
1971 – 1980 : Séjour à Paris

1972 : Mariage avec Souheir Imam.

1973 – 1978 : Enseigne la peinture à la faculté des Beaux Arts de l’Université de Strasbourg.

1976 : Naissance du premier enfant : Tamr.

1980 : Retour en Egypte
Naissance du deuxième enfant : Dalia

1997 : Directeur du Centre Culturel d’Egypte, Paris.

Femmes de Haute Egypte

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Saydiate

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Série 1

2007-05-31T08:00:00.000-07:00

Extraits

2007-05-30T18:45:00.000-07:00

Le style de Adli Rizkallah se définit par une spontanéité que traduit la fraîcheur des couleurs, douces et aériennes doublées d’un sens profond de l’équilibre et de la construction. La nature qu’il écoute en musicien, la lumière dont il étudie les variations, il les inscrit en mélodies fluides sur une architecture solide et minutieusement travaillée. Tout est ordre et harmonie dans ses contemplations exemptes d’épanchements comme d’hermétisme. Les images de la nature s’y profilent, présentes et suggérées. Ce peintre égyptien n’est à ranger ni parmi les abstraits ni parmi les figuratifs. Sans doute faut-il chercher le secret de son originalité dans un mariage entre deux mondes, deux philosophies : la spiritualité orientale et la science moderne.
Radhia Hanachi, Jeune Afrique

Cet artiste égyptien, d’une très grande sensibilité, est avant tout aquarelliste. Il transpose tout ce qui l’entoure en un univers poétique dont les contours sont à peine esquissés ; habillée de teintes fraîches, la fluidité est poussée à l’extrême. Un léger réseau de traits parallèles tisse une armature arachnéenne autour de formes dont la couleur s’établit en dégradés subtils. Paysages imaginaires, personnages d’un autre monde, animaux de rêve, tout paraît chez Rizkallah d’une fantaisie et d’une légèreté telle, que même la pointe du pinceau ne repose plus sur la réalité.
Lucette Schouler, Carrefour

Rizkallah est un peintre égyptien, abstrait et malgré lui, toutes ses admirables aquarelles dénoncent ses origines. Ce sont des poussières de sable, légèrement coloriées qui s’étagent, s’affrontent, se métamorphosent sous une lumière constante, sans ombre, en oiseau étrange, personnage fantomatique aux ailes irisées de papillon. Tout cela le plus librement du monde, ce qui témoigne de la maîtrise absolue de ce si pur, subtil, indicible artiste.
H.H., amateur d’art

Adli Rizkallah est un peintre égyptien habitant maintenant à Paris. Mais ses yeux, ses œuvres, ses aquarelles demeurent encore merveilleusement imprégnés de l’immense lumière, planant, souveraine…C’est le Dieu du soleil qu’il évoque, mais à l’éclat tamisé à force de violence sur les bords du Nil toutes couleurs vives, toutes lignes trop fermes sont estompées, bues par l’avidité incessantes du feu céleste. Il en résulte des œuvres d’une délicatesse infinie de tons, des traits, des masses très irréelles qui sans cesse évoluent, s’engendrent l’une l’autre, et les fameuses pyramides surgissent, s’imposent, s’associent de façon toute naturelle dans le paysage de rêve. Rien en effet dans cet art, d’une si subtile sensibilité n’apparaît voulu, tant la maîtrise du dessinateur est extrème.
Cette exposition demeure une révélation, le premier signe d’un nouvel art égyptien, très personnel, à l’opposé des statues antiques aux lourdeurs oppressives, fait d’aériennetés indicibles, miraculeuses.
H.Hérault, Le journal des Galeries

On le dirait musicien, héritier à sa façon, de ceux-là qu’on désigne dans l’histoire de la peinture sous le vocable de « musicalistes ». Les biens qu’il emprunte à la musique, c’est la fluidité qui distingue son travail, la transparence des aboutissements, on pourrait dire leur cristallisation, une pudeur visible trop dire, par quoi est incité l’invisible. Oui, tout l’art de ce peintre est au point de rencontre de cette tentation de cristallisation, qui ne saurait éviter un effet si peu que ce soit rigide, et de cette sensibilité à l’incitation qui suppose une grande disponibilité intérieure.
Salah Stetie

Le meilleur de lui-même, il le vivra à travers l’art. Et depuis 1971, il s’est rattrapé d’une manière surprenante. Ces deux dernières années, il a peint plus de 110 aquarelles. On lui reproche d’en faire trop, il rétorque en riant : « Aujourd’hui la peinture est pour moi une source intarissable. J’en rêve la nuit et le vois une multitude de peintures achevées. ».
D’ailleurs, Adli Rizkallah a appris, au fil des ans, à suivre une discipline de fer. Il a une maison près d’Alexandrie à King Mariout où il peint pendant une dizaine de jours. Il revient au Caire pour retrouver sa famille et ses amis le temps d’une semaine. Pour repartir à nouveau. Et ainsi de suite. Sans doute est-ce sa manière à lui de vivre le plus pleinement possible. Et avec le temps, il s’est détaché de tout ce qui n’est pas essentiel pour lui.
Avec cette liberté intérieure, il peut même casser ses habitudes de travail. Ne plus travailler pour un moment. Et c’est ainsi que de temps en temps, il choisit de prendre des charges qui lui permettent de rompre avec ce qu’il a maîtrisé. Il a l’habitude de dire qu’il aime s’arrêter de faire une chose lorsqu’il a encore du plaisir. « Lorsque je travaille sur un thème et que je suis en train de suivre ses multiples variations, je m’arrête un peu avant la fin. ». C’est sa façon de mûrir. Est-ce pour cela qu’il retourne ) Paris en tant que directeur du Centre Culturel Egyptien pour se régénérer, s’occuper d’autres artistes et vivre de nouvelles rencontres ? Il ne sera que plus heureux par la suite de retrouver ses aquarelles, mais s’en sépare-t-il vraiment ?
Soheir Fahmi, Al Ahram Hebdo

Du 17 novembre au 31 décembre, Adly Rizkallah a exposé ses œuvres au Centre Culturel d’Egypte à Paris. Le soir où devant une assemblée nombreuse d’égyptiens et de français, il nous évoqua son parcours artistique, Paris embrumé de sa fine pluie hivernale s’allume progressivement sous ses mots, des couleurs fortes et douces de l’aquarelle.
L’adolescent de Haute Egypte qui rêvait devant le portail des Beaux Art du Caire, puis l’étudiant acharné, discipliné, le jeune peintre en proie au doute dans la capitale française, puis l’artiste assistant, connu malgré lui, à l’éclosion de ce qui devait devenir son langage unique, tous ces personnages qui continuent encore aujourd’hui d’habiter Adly Rizkallah étaient là.
Le public parisien a pu découvrir grâce à cette exposition les merveilleuses possibilités de l’aquarelle qu’une pensée trop souvent embastillée dans le préjugé méconnaît, ce public surpris et séduit n’oubli plus le nom de Adly Rizkallah. Celui-ci a magistralement démontré une fois de plus que la technique de l’aquarelle n’a rien à envier pour la richesse et les nuances de l’expression aux autres techniques picturales. Trop ignoré hors de nos frontières, la peinture égyptienne s’est donnée là l’occasion de recevoir l’hommage des habitants de la ville des lumières.
Pendant un mois et demi, ce furent les murs du Centre Culturel Egyptien qui donnèrent à Paris un peu de lumière inédite, une émotion secrète que les parisiens venus là parfois par hasard remportaient dans leurs rues, sous leurs toits d’ardoise beu-noir, avec le sentiment d’une parcelle d’essentiel retrouvé.
Névine Amine-Saleh

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Cristallisation

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Femmes de Haute Egypte

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A PROPOS DE L'ARTISTE

2007-01-14T14:05:00.000-08:00

SES DEBUTS

Rizkallah s’est consacré aux aquarelles depuis le début d’une carrière où sa propre philosophie dans la vie et dans l’art a toujours prédominé. La subtilité et l’ardeur de ses «Aquarelles Sculpturales », mais aussi sa clairvoyance en font un grand créateur actuel.
Il est le premier peintre égyptien à vivre de sa peinture. Rizkallah arrive en France en 1971 avec 100 francs en poche, mais réussit assez rapidement grâce à son talent et son savoir-faire à se faire une réputation d’aquarelliste original, d’homme au caractère et au style remarquables. Claude La Faye écrit à propos de sa rencontre avec lui pendant les années soixante-dix à Paris : « Et je me trouve en présence non de tableaux mais d’une œuvre. De quelque chose qui échappe à la critique, à la raison. »

SA TECHNIQUE

Le mariage entre les formes géométriques et les masses organiques de Rizkallah, révèle la modernité d’un peintre nourri de classicisme dans une ère technologique. Rizkallah est réputé pour sa technique d’aquarelle personnalisée, fruit d’un cheminement de 35 ans. Sa palette de couleurs magiques, ses formes sculpturales, et la transparence de ses couleurs les plus sombres, sont parmi les traits qui caractérisent sa peinture.

Grâce aux découvertes avant-gardistes de Rizkallah, les techniques d’aquarelles ont subi une évolution considérable. L’usage novateur des aquarelles, la diversité des tailles de ses tableaux, ses recherches tenaces de techniques, ses compositions audacieuses (structures, formes), sont les caractéristiques de son art. De nombreux peintres de différents pays séduits par son univers artistique ont assisté à ses cours où il enseigne la technique picturale.

Le papier « 100% coton » utilisé par Rizkallah est d’importance majeure pour ses recherches. Les grains de papier, sa texture, sa surface, et son épaisseur ont une influence considérable dans les compositions du peintre. Son travail fait appel non seulement a l’avancée de la civilisation humaine grâce au papier, mais aussi a deux grandes civilisations : l’occidentale et l’orientale que Rizkallah a pu assimiler et dont il s’est imprégné.

SON ART

Rizkallah considère son art comme la continuation de l’art de la première moitié du vingtième siècle et a fait le choix de méconnaître la deuxième moitié du siècle. L’aquarelliste a choisi de ne pas suivre une tradition ou une école d’art en particulier. Cependant, le peintre reste ouvert aux influences des lois de l’art abstrait, du cubisme et de l’art lyrique. « En effet, son œuvre n’est marquée par aucune tradition picturale, ni européenne ni orientale. Il n’y a pas le plus petit fragment du moindre dessin, la moindre nuance de couleur, le moindre équilibre dans les formes qui puisse se rapporter à une ‘école’ que se soit » écrivait Claude La Faye.

SES THEMES

Les tableaux de Rizkallah tournent autour de plusieurs thèmes : les Testaments de Rages, Fleurs Vivifiantes, Cristallisations, Aquarelles Sculpturales, Femmes de Haute Egypte, Femme Temple, Pyramide, et Dandana. Rizkallah fait appel à ces différents sujets selon les périodes de son travail. Des formes hybrides y naissent, produit d’un mariage entre plusieurs thèmes comme celui des « Fleurs Vivifiantes » et « Cristallisations ». Parmi ses oeuvres, une collection est un hommage à Shadi Abd El Salam,une autre à Edwar al Kharrat et une troisième à Salah Abd El Sabour.

GROS PLAN SUR « CRISTALLISATIONS 2006 »

Dans les dernières collections de Rizkallah et notamment «Cristallisations 2006 », l’espace occupé par le blanc se réduit discrètement et crée un univers mystique et surréaliste. Ce silence méditatif, fréquent dans ses œuvres précédentes, s’estompe en faveur d’un cycle de formes et de couleurs. Des formes gracieuses dansent et créent des mélodies sacrées jouées par l’enfant innocent mais seul que Rizkallah a pu nourrir à l’intérieur de lui et qui s’exprime avec liberté et générosité pour nous enchanter par la beauté du rêve.

RIZKALLAH ET LA LITTERATURE

Rizkallah s’est exprimé à travers d’autres moyens que son pinceau. Il a rédigé une autobiographie, dont le premier volume a été publié en 1999 et le deuxième en 2005. Il a également rédigé une série d’articles sur l’histoire de l’art et l’esthétique. On a souvent fait le lien entre ses aquarelles et d’autres formes d’arts comme la musique, la littérature, et l’architecture aussi. Ses aquarelles semblent être une source d’inspiration pour d’autres artistes. Des poètes comme Abd el Munim Ramadan, Walid Munir, et Amgad Rayan ont écrit en s’inspirant des tableaux de Rizkallah (l’étude réalisée par Maggie Awadalla est une référence à ce sujet). Le poète Edwar al Kharrat dans son livre de poésie « 7 interprétations et 7 tableaux » ainsi que Badr al Deeb dans « Al Ghabghab » ont interprété les oeuvres du peintre. On peut donc parler d’une poésie qui s’inspire des aquarelles de Rizkallah et les interprète tout en dialoguant avec elles.

ADLI RIZKALLAH

Galerie 11

TEXTES

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH -Ce qui ne me concerne pas

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Avec Juilius Bissier, Claude Bernard et Picasso. Le jour de la naissance de Tamr

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Avec Gordon Frazer, Claude Lafaye, Fernand Léger et Cézanne

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Premiers jours à Paris ou le début de l'histoire

CARNETS D’ADLY RIZKALLAH - Le commencement

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